Mois : juillet 2007

Catégories
FESTIVAL D'AVIGNON

Au Festival d’Avignon, Richard III rate la marche.

«Richard III» au Cloître des Carmes divise (calmement) le public. Que penser de cette adaptation libre de Peter Verheslt, mise en scène par Ludovic Lagarde et interprété dans le rôle de Richard III par Laurent Poitrenaux ? À vrai dire, je me sens un peu vide pour évoquer ce que j’ai vu. Tout au long du spectacle, je suis resté à distance comme si tous mes sens étaient sollicités pour observer la scénographie (beaux effets de lumière sur teintures rouges), les costumes (inspirés par la période disco), les jeux des acteurs (où l’on hésite entre un film de Tarantino et un soap opéra gay).
file-5397-W.jpg
Ce « Richard III » est très actuel : rythmé comme un zapping télévisuel (comment s’attarder sur la psychologie des protagonistes ?), il n’habite que très rarement la scène dans sa largeur pour préférer les petits territoires comme autant de vignettes d’un album photo numérique. Ces espaces confinés privilégient les postures mécaniques donnant à ce drame shakespearien les formes d’un jeu de Lego. Laurent Poitrenaux est à son aise pour se déployer, avec brio, panache, charisme. Sous certains aspects, il pourrait ressemble à Sarkosy quand gestuellement il ramène tout à lui. Mais son déhanchement un peu trop voyant, réduit cette hypothèse bien qu’il n’est pas interdit de penser que le goût du pouvoir et certains penchants peuvent aller de pair! On ne s’ennuie jamais dans cette adaptation, car nous connaissons les codes de cette mise en scène, pour les avoir vus ailleurs. Ils relèveraient presque de notre culture.
Alors, je m’interroge ! Pourquoi ne pas être allé au-delà de ce déjà vu pour plonger ce « Richard III » dans le bouillon chaotique de nos sociétés mondialisées. Quitte à utiliser avec brio le langage de la modernité, Ludovic Lagarde aurait pu choisir une adaptation plus ambitieuse. Je me surprends à quitter le Cloître un peu dépité, ni triste, ni gai, juste un peu déçu de n’avoir rien appris du théâtre. Après « Les éphémères », « Le silence des communistes », « Angels in América », « Méphisto for ever », je m’étais habitué à devenir un spectateur actif. Ce soir, je me sens un peu dépourvu, à moins que je m’interroge sur le sens de la programmation du Festival.
Réponse dans quelques jours.Pascal Bély
www.festivalier.net

 « Richard III» par Ludovic Lagarde a été joué le 26 juillet 2007 dans le cadre du Festival d’Avignon.

Catégories
FESTIVAL D'AVIGNON LE THEATRE BELGE! OEUVRES MAJEURES

Au Festival d’Avignon, “Nine Finger” clôture.

« Nine Finger » est un ovni théâtral dont l’atterrissage au Festival d’Avignon s’est télescopé avec le bilan de cette 61e édition. À la conférence de presse du 25 juillet en présence des deux directeurs et de Fréderic Fisbach, un spectateur souhaitait entamer un débat sur cette pièce. Silence gêné : « on en parle plus tard si vous le voulez ». Étrange réaction et mutisme pesant d’une assemblée plus loquace pour alimenter la polémique sur «les feuillets d’Hypnos »?
Il est 19h10. Je suis fatigué. Les mots ne viennent pas. Le Festival d’Avignon devrait s’achever avec « Nine Finger ». J’hésite à me rendre au Palais des Papes pour « Le Roi Lear ». Je suis sonné. « Nine Finger » est si puissant que je me sens impuissant pour poursuivre.
file-platel-finger-4338-W.jpg
Lui, c’est Benjamin Verdonck, acteur-performeur flamand. Avec son short Adidas, son tee-shirt rose et sa démarche désarticulée, il m’évoque l’adulte habité par les traumatismes de l’enfance. Il se couvre de cirage noir, tel un guerrier, pour (ré)apparaître progressivement avec son visage d’enfant. C’est parce qu’il danse avec elle, qu’il se transforme?
Elle, c’est Fumiyo Ikeda, danseuse née au Japon. Elle a toujours la grâce longtemps repérée dans les créations d’Anne Teresa De Keersmaeker. Elle ne quitte pas des yeux et du corps Benjamin. A la fois, ombre et lumière, Fumiyo incarne l’idée que je me fais du pacifisme.
A deux, ils ont créé avec le chorégraphe Alain Platel, « Nine Finger », théâtre dansé sur les enfants soldats où le texte et les mouvements tissent des liens si forts que tous nos sens sont sollicités. L’interpellation du spectateur est continue comme si au chaos sur scène doit répondre la déstabilisation du public. « Nine Finger » n’a donc rien d’une pièce compationnelle censée toucher notre fibre humanitaire. À trois, ils créaient la distance (réussie), médiatise (par les objets), pour que nos affects ne puissent perturber ce que nous devons voir et toucher du doigt: l’horreur. Le micro joue un rôle essentiel pour la faire entendre : jeté au sol, sur le matelas, sur les corps, enfouis dedans pour s’immiscer et faire mal, exhibé dehors comme un trophée, il décharge en continu la haine, la déchirure intérieure, la puissance destructrice des mots. Il mitraille pour déchiqueter la part d’insouciance et de créativité de l’enfant. Il est cet outil de la société du spectacle métamorphosé en matériel militaire (l’art serait-il une arme ?). Benjamin Verdonck le tient pour ne le lâcher qu’épisodiquement. Il est un appendice, une partie de son corps qui pendouille, dégouline de sang pour éclabousser de ses cris, de ses mots. Il explose même en sourdine.
file-platel-finger-4060-W.jpg
Dans cette guerre atroce, Fumiyo ne résiste pas toujours. Elle est souvent l’objet de convoitise de cet enfant. Il joue avec elle, ne sachant plus très bien la différence entre l’acte sexuel et un jeu de gosse. Cette confusion est magistralement restituée à partir de deux autres objets (un grand carton et un matelas) : tour à tour cachette, trampoline, lit conjugal, cave souterraine, tout y passe ! Mais peut-il se remettre du carnage ?  Qui est-il à la fin ? Que peut-il bien dire à Fumiyo qui, incarnant une psychologue, l’aide à verbaliser les images l’horreur ? Comment lui redonner sa part d’humanité ? C’est alors qu’elle finit par lui demander : « Que penses-tu de moi » ? Rideau.
Ce trio a réussi l’impensable : nous restituer le chaos le plus innommable. Le texte ne peut pas tout. L’intelligence, c’est d’avoir osé relier les mots à la danse non pour illustrer, mais pour nous aider à ressentir le processus qui transforme un enfant en guerrier. Nous changeons de statut : de spectateur, nous sommes les passeurs de cette expérience là. Ce chaos, de ma modeste place, je l’ai vécu. Alors même si Benjamin se remet du cirage à la fin du spectacle pour repartir à la guerre, il n’est plus tout à fait seul. Nous avons tout vu.
Aujourd’hui, nous savons.Pascal Bély
www.festivalier.net

« Nine Finger » de Benjamin Verdonck, Fumiyo Ikeda et Alain Platel a été joué le 27 juillet 2007 dans le cadre du Festival d’Avignon.

 

Catégories
FESTIVAL D'AVIGNON PAS CONTENT

Au Festival d’Avignon, la défiance envers Rodrigo Garcia.

Une tortue piégée, caméra vidéo sur le dos, essaye de s’échapper d’un enclos en plexiglas. L’image projetée sur grand écran a la qualité d’une émission de télé-réalité. Soudain, une jeune fille, à moitié nue, tête en bas, se cogne contre l’image pour tenter d’y entrer. Les premiers rires d’énervement montent du public alors que je m’émeus de la solitude de cette femme. Deux hommes arrivent, et posent des poules sur scène et sur son corps. Déboussolées d’être là (comme nous), elles cherchent où aller. Ils utilisent leurs ailes pour s’y cacher et faire l’autruche. La première denrée alimentaire, le lait, est répandu sur le plateau comme pour délimiter le territoire de la mondialisation. À trois, ils replantent sur du terreau des légumes déjà coupés, métaphore de l’absurdité d’une planète qui épuise ses ressources. Je décide d’entrer dans cet univers foutraque, pour y rencontrer ces trois comédiens aux gestes désarticulés, perdus dans ce nouveau monde. file-garcia-mefiance-3798-W.jpg

Bienvenue dans la deuxième création de Rodigo Garcia, « Approche de l’idée de méfiance » présentée au Cloître des Célestins. Mais l’intimité a des limites. Très vite, le discours anti-européen refait surface, les accusations contre ses citoyens reviennent comme une rengaine (« nous sommes aisés ; comment pourrions-nous aider les peuples dans le besoin ? »). Ses approches binaires de l’état du monde se répètent et je ressens le mépris de Garcia à l’égard des spectateurs « compromis ». Cette façon verticale d’interpeller, culpabilisante, rend le public quasiment muet à la fin du spectacle. Pour ma part, je finis par n’éprouver qu’une distance polie et le dernier tableau où le trio patine dans le miel (qui n’est pas sans rappeler « Quando l’uomo principale è una donna» de Jan Fabre où danse dans de l’huile d’olive une femme nue) les conduit sur la pente glissante de l’imposture.

À la sortie, je tente un dialogue (impossible) avec certaines spectatrices qui trouvent chez Garcia de quoi conforter leur vote contre la constitution européenne de 2005. La discussion tourne en rond. Le clivage n’est plus entre la droite et la gauche, mais entre une conception ouverte de l’Europe dans la mondialisation et une approche fermée, verticale, repliée sur des dogmes usés. Garcia joue sur ce clivage : il croisera toujours un public paresseux pour gober ce prêt à penser.

Pascal Bély
www.festivalier.net

« Approche de l’idée de méfiance » de Rodrigo Garcia a été joué le mercredi 25 juillet 2007 dans le cadre du Festival d’Avignon.

Crédit photo: © Christophe Raynaud de Lage/Festival d’Avignon

Catégories
FESTIVAL D'AVIGNON LE THEATRE BELGE! OEUVRES MAJEURES

Au Festival d’Avignon, Guy Cassiers for ever.

Le flamand Guy Cassiers revient au Festival d’Avignon avec « Mefisto for ever » au Théâtre Municipal. « Rouge décanté » présenté l’an dernier avait étonné par la performance solo de Dirk Rooftooft et une scénographie exceptionnelle. L’acteur fétiche endosse cette année le rôle de Kurt Köpler, comédien ambitieux et sympathisant gauchiste dans le roman de Klaus Man adapté par Tom Lanoye. Nous sommes donc projetés dans un théâtre, au coeur de l’Allemagne Nazie. Refusant de choisir son camp pour à tout prix maintenir une programmation, Kurt s’entête, s’enferme et participe à la tragédie qui va emporter son théâtre. La mise en scène provoque un écho incontestable dans l’Europe d’aujourd’hui et la France de Juillet 2007. Elle m’évoque la période où, vivant à Orange, j’ai combattu contre le Front National installé à la Mairie en 1995. Il s’agissait d’isoler la ville, de protester contre la venue d’artistes prêts à se compromettre avec un parti à l’idéologie nauséabonde. Douze années plus tard, personne n’est en mesure d’évaluer la pertinence de telles actions. « Jouer ou ne pas jouer », c’est l’éternel débat que la crise de l’intermittence en juillet 2003 a une nouvelle fois posé. Programmer «Méfisto for ever » au Festival d’Avignon est un avertissement, pris comme tel que je ne peux m’empêcher de relier au cri d’alarme (salutaire) de Pascale Ferrand, à la dernière cérémonie des Cesars. A l’idéologie nazie, se substitue la montée de l’extrême droite couplée à la diffusion rampante du paradigme néo-libéral puritain.

file-9886-W.jpg
« Méfisto for ever » sidère car cette pièce prolonge à la fois le texte initial mais aussi guide notre regard bien au-delà ce que nous voyons sur scène. Le travail du son est exceptionnel: les comédiens (petits micros collés sur la joue) nous murmurent presque comme pour réveiller nos consciences. Quand le ministre de la propagande hurle son idéologie nauséabonde, le son ne sature jamais, mais produit un écho saisissant. Les lumières illuminent avec beauté les parts d’ombres des acteurs, métaphore de nos ambiguïtés. La vidéo, loin d’être un effet technique à la mode, prolonge la scène pour évoquer l’outil de contrôle omniprésent de nos sociétés modernes. Alors que la troupe répète Hamlet, les comédiens allongés sur des tables sont filmés en hauteur. L’image restituée est impressionnante tel une contre plongée cinématographique d’une caméra de surveillance : d’où regardons-nous cette pièce ? Un jeu dans le jeu se met alors en place : la question sur le rôle de l’art au coeur du nazisme n’est pas une réponse linéaire, mais un enchevêtrement de questionnements. Nos statuts bougent (de « consommateur » de culture, de citoyen, de spectateur dans l’ici et maintenant) et ne cessent de se croiser au cours de ces trois heures époustouflantes de théâtre. La mise en scène de « Mefisto for ever » fascine, hypnotise par sa justesse, sa beauté et sa modernité. En effet, le texte initial de Klaus Man se prolonge alors que le rideau est baissé suite au suicide du ministre nazi de la culture. C’est alors que son remplaçant « démocrate » demande à Kurt Köpler de reprendre la programmation en contrepartie de « respecter les objectifs » de l’actuel régime. D’une idéologie à une autre, le théâtre est de nouveau confronté à de nouveaux dilemmes. Kurt Köpler est alors incapable de commencer sa phrase (“je…”; “je…”), faisceaux lumineux pointés sur ses tempes comme un révolver prêt à se décharger. Ce bégaiement est maintenant le nôtre.

file-4619-W.jpg

Cassiers nous laisse seul avec nos questions. Comment l’art peut-il composer avec l’époque néo-libérale qui s’ouvre? Comment les Directeurs des structures institutionnelles répondent-ils et se positionnent-ils à l’égard des injonctions des politiques où les objectifs quantitatifs dictent le projet culturel ? Comment le public, par ses attentes (plus proches parfois du divertissement que de la coconstruction du sens), participe-t-il à transformer l’art en produit sensible aux effets de mode ? “Mefisto for ever” ne répond nullement à toutes ces questions, mais les provoque. Quand Chrisitine Lagarde, l’actuelle Ministre de l’Économie, recommande d’arrêter de penser pour privilégier le travail productif ; quand Christine Aubanel évoque la productivité transposée à la culture, il est urgent de définir un projet global européen qui dépasse celui d’Avignon. Le Festival pourrait être une caisse de résonance, une agora exceptionnelle. La nomination de Roméo Castellucci comme artiste associé en 2008 a de quoi laisser circonspect eu égard au défi intellectuel et politique lancé par Cassiers et tant d’autres?

Pascal Bély-www.festivalier.net

 “Mefisto for ever” de Guy Cassiers a été joué le 21 juillet dans le cadre du Festival d’Avignon.

Crédit photo: © Christophe Raynaud de Lage/Festival d’Avignon

Catégories
FESTIVAL D'AVIGNON PAS CONTENT

Au Festival d’Avignon, “Claire” de René Char, vachement lourd…

Alors qu’une vidéo projette sur les comédiens un troupeau de vaches, une spectatrice ose faire « meuh, meuh? ». « Claire » de René Char, mise en scène par Alexis Forestier, finit par agacer une partie du public, lassé par tant de prétentions. Comme avec Frédéric Fisbach et ses controversés « Feuillets d’Hypnos », Alexis Forestier pense jouer René Char en ajoutant de la poésie à un texte qui n’en manque pas. À ce jeu-là, il faut avoir beaucoup de talent, illustrer le texte par une puissante présence d’acteurs « poètes » et utiliser avec parcimonie la métaphore pour ne pas alourdir le propos. Ici, rien de tout cela.
file-Forestier-claire-W-3030.jpg
« Claire » est une juxtaposition de scènes où les guitares saturent, les corps s’affaissent dès que l’on s’improvise danseurs. La scénographie (lumières, décors, mouvements sur le plateau) est incapable de restituer l’atmosphère particulière portée par la figure symbolique de Claire, femme et rivière à la fois. Le plus troublant est le jeu des acteurs plus proche d’une thérapie de groupe que d’une troupe de théâtre ! Comme avec Fisbach, les mots de René Char sont systématiquement appuyés par des effets de scène provocants, lourds, grossiers : plus c’est beau, plus les acteurs en font trop. À ce rythme, je perds le texte de Char, le contexte dans lequel il a été écrit (la résistance) et je finis par me concentrer sur le pianiste, seul musicien manifestement habité par la poésie. Ce texte est vache, mais je suis fatigué d’être pris pour un mouton.

Pascal Bély
www.festivalier.net

  « Claire » par Alexis Forestier a été joué le 25 juillet 2007 dans le cadre du Festival d’Avignon.

Crédit photo: © Christophe Raynaud de Lage/Festival d’Avignon

Catégories
FESTIVAL D'AVIGNON PAS CONTENT

Au festival d’Avignon, la perte du sujet.

« Le sujet à vif » est un festival au sein du festival. Un danseur commande un solo à un chorégraphe et le résultat est souvent étonnant. L’an dernier, Olivier Dubois avec « Pour tout l’or du monde » avait enchanté ce public exigeant. Cette année, c’est Julie Guibert qui fait l’évènement avec « Devant l’arrière-pays ». Trois autres propositions sont programmées, mais semblent à côté du projet.
« Take it away » dansé par Andréya Ouamba est une longue déambulation, sans but précis, comme l’écrit le chorégraphe Opiyo Okach : « Nous partageons le même intérêt, le même désir d’improviser, de se confronter et d’habiter le vide, d’ouvrir une fenêtre sur nos espaces et histoires intérieures ». Je reste circonspect sur le résultat : qu’ais je vu ? Le vide. Où est le projet ?
file-8738-W.jpg
« À nous deux » dansé par Dominique Uber et chorégraphié par Fanny Chaillé est un pari puisqu’elles sont ensemble sur scène. On hésite entre l’indulgence et la consternation. Dans la première hypothèse, nous pourrions y voir le lien fragile, empreint de timidité, entre deux artistes aux statuts différents. C’est pauvre artistiquement comme une relation qui ne peut s’épanouir. Soit. Dans l’autre cas, rien n’empêche d’y déceler une chorégraphie « baba cool » (des années 70) où deux femmes découvrent leur homosexualité. C’est assez fleur bleue et le message politique (l’une crie des mots, l’autre la bâillonne d’une main) est à répertorier dans l’histoire du féminisme. Bref, un duo daté pour une danse sans beaucoup d’intérêt.
« La descendance », « dansée » par Yves-Noël Genod et « chorégraphiée » par sa compagne, l’écrivaine Hélèna Villovitch est un monument du kitch, du mauvais goût et de la bêtise facile. Ici aussi, c’est une proposition déjà vue et sans risque ! Il est sur scène, pantalon descendant et bite à l’air. Il débite des phrases toute faîtes sur le milieu culturel (qui font toujours marrer le public), s’en prend à Warlikowski qui présente dans la cour d’à côté, « Angels in América ». Pendant ses déambulations, une comédienne bouffe des courgettes et du bambou pendant qu’un gosse, se croyant à la fête de l’école, nous propose ses pitreries. A la fin, Hélèna Villovitch offre une part de gâteau aux spectateurs du premier rang. C’est une provocation à l’égard de la manifestation (quitte à choisir un chorégraphe, « je propose ma femme »). Je pourrais en rire. Sauf que le contexte ne s’y prête pas du tout. Sarkozy et son équipe de néolibéraux se délecteraient d’un tel spectacle (il y a toute la pensée réactionnaire de la droite). D’autre part, en insultant certains artistes (ceux qui finalement ont usés de la provocation comme forme artistique), en se moquant des institutions, Genod nous vomis dessus. Il faut être très naïf pour y voir « une critique du milieu » (phrase glanée à la sortie). Désolé, mais je ne suis pas d’humeur à supporter l’insulte surtout avec si peu de talent (n’est pas Gainsbourg qui veut). Genod joue avec les institutions (fragiles). Il n’y a plus qu’à espérer qu’elle lui présente une note de frais pour avoir abîmé le bambou du jardin de la vierge du Lycée Saint-Joseph.
En quittant les gradins, j’ai renvoyé sur scène une assiette en carton. Le geste est à l’image de ce que je suis devenu à l’issu du spectacle: pas très malin.
Pascal Bély
www.festivalier.net

 « Take it away » d’Opiyo Okach a été joué le 21 juillet 2007 dans le cadre du “Sujet à vif”.

« À nous deux » de Fanny Chaillé a été joué le 21 juillet 2007 dans le cadre du “Sujet à vif”.

 « La descendance » d’Hélèna Villovitch a été joué le 21 juillet 2007 dans le cadre du “Sujet à vif”.

 Crédit photo: © Christophe Raynaud de Lage/Festival d’Avignon
 (pourquoi n’existe-t-il aucune photo pour Genod??)

Catégories
FESTIVAL D'AVIGNON OEUVRES MAJEURES

Au Festival d’Avignon, Raimund Hoghe, encore et toujours.

Pourquoi la dernière création de Raimund Hoghe a-t-elle à ce point déçu les festivaliers d’Avignon ? J’y ai pourtant retrouvé le talent, la délicatesse, et la créativité de ce chorégraphe exceptionnel. Je le connais depuis 2004, date à laquelle il présentait face au public bouleversé de Montpellier Danse, « Young people, Old Voices ». En juin dernier, “ Meinwärts “ provoquait la sidération. Depuis, il y vient chaque année comme un rendez-vous ritualisé avec les Montpelliérains. Je me sens familier de son univers fait d’objets posés sur scène, de métaphores qui s’emboîtent les unes des autres pour former le kaléidoscope de nos sensations. J’ai un profond respect pour cet artiste qui m’a familiarisé avec la lenteur des mouvements, avec l’émergence du sens par l’immobilité. Là où le public d’Avignon frissonne avec Roméo Castellucci, je tremble d’émotions pour Raimund Hoghe.
file-8992-W.jpg
Alors, que se passe-t-il avec « 36, Avenue Georges Mandel » présentée dans la jolie chapelle des Penitents Blancs ? C’est la dernière adresse où vécut Maria Callas, seule et malade. Hoghe y voit une « sans domicile fixe » qu’il incarne en portant la couverture de la Croix Rouge, en se glissant sous des cartons. Cette détresse est traduite par des gestes délicats qui, comme dans « Les éphémères » d’Ariane Mnouchkine, résonnent chez les admirateurs de la Callas et le public sensible à la question de l’hébergement précaire. Hoghe parcourt la scène, telle la diva, à la recherche de sa gloire perdue comme le fait un SDF avec les objets qu’il trimballe, témoignage d’un passé encore vivant. Les vêtements sont une seconde peau qu’il plie avec minutie pour les déplier avec grâce et endosser un nouveau rôle. C’est ainsi qu’il enfile un imperméable (où l’on devine qu’il est nu), tels ces hommes qui miment la Callas devant la glace. Bouleversant.
file-8887-W.jpg
Que ce soit pour la Callas ou un SDF, c’est la lenteur qui semble faire l’histoire : le processus de déchéance n’est pas aussi brutal et rapide que les médias voudraient nous le faire croire. Perdre son domicile, sa gloire, est un long processus, parfois indescriptible à l’?il nu.  C’est précisément cela qui hante les Français (plus de la moitié d’entre eux ont peur d’être SDF selon un sondage paru lors des dernières élections). Raimund Hoghe ne le traduirait-il pas à ses dépens ? Ce spectacle serait-il donc anxiogène ?

file-9086-W.jpg

L’arrivée du danseur Emmanuel Eggermont, tel un ange, fait baisser la tension (à cet instant précis, les spectateurs ne quittent plus leurs sièges). Avec sa rose à la main, on imagine  Barbara se dirigeant vers ses admirateurs. Mais plus vraisemblablement, il incarne le public de la Callas. Nous sommes donc sur scène pour entourer Hoghe, lui redonner nos habits, pour l’inclure à nouveau. Ce moment est magnifique, car cet ange fait (trop tardivement) le pont entre lui, elle et nous.  Il libère Raimund Hoghe d’un poids mythique, et de l’angoisse générée par la pauvreté. Le dernier regard entre les deux hommes est fulgurant comme un lien indestructible entre elle et nous, entre la dénuement et la gloire (il fallait tout de même oser ce rapprochement).
Alors, oui, « 36, Avenue Georges Mandel » est un chef d’oeuvre d’humanité, qui s’entend dans un lien quasi intime avec Raimund Hoghe. Je rêve qu’Avignon reconnaisse la stature de ce chorégraphe et que l’on cesse, pour se protéger, de faire référence à des clichés (que n’ais-je pas entendu ! « Il utilise le fait qu’il soit bossu », « ce n’est pas de la danse » ; « c’est un peu trop facile? »).

« 36, Avenue Georges Mandel »,
« Rue de la grange aux loups »,
Paris,
Nantes,
Callas,
Barbara,
« Chapelle des Penitents Blancs », Avignon?

Pascal Bély – Le Tadorne

« 36, Avenue Georges Mandel » de Raimund Hoghe a été joué le 22 juillet 2007 dans le cadre du Festival d'Avignon.
Crédit photo: © Christophe Raynaud de Lage/Festival d'Avignon

Catégories
FESTIVAL D'AVIGNON PAS CONTENT

Le Festival d’Avignon, espace d’expérimentation raté du futur “104” de la Ville de Paris.

La Maison Jean Vilar propose deux expositions: au rez-de-chaussée, un espace est dédié à Fréderic Fisbach, l’artiste associé. Au premier étage, une installation pour célébrer le 60e anniversaire du Festival d’Avignon par une jolie série de portraits suspendus dans le temps et la projection d’un film sur Jean Vilar. Entre les deux, un escalier. C’est tout. Pas de pont, ni de passerelles. La Maison est fragmentée. Pourtant, Fréderic Fisbach est un conteur d’histoire (il aurait pu au moins nous raconter son parcours de festivalier au fil du temps). Il préfère accrocher sa prose dans des cadres vissés au mur, mettre un lit au centre (pour s’y coucher? Devant tout le monde?). Une installation nous permet de marcher sur des petits coussinets en caoutchouc et nous asseoir (ou s’allonger) pour écouter avec des casques les explications de Fisbach sur la genèse de ses pièces, sur ses tournées…L’endroit est idéal pour se reposer, mais vide de tout contenu. Quel peut bien être le sens de cette installation qui ne relie rien, ne suggére rien si ce n’est de la radio en conserve? En sortant, je suis un film sur la construction du “104” (un lieu d’art pour tous de la ville de Paris). Aucun intérêt. Aucun.
file-cantarella-hippolyte5798-W.jpg dedans-dehors-1.jpg

Je quitte la Maison Jean Vilar pour le gymnase du lycée Mistral où Robert Cantarella (co-animateur du futur 104!) propose “Hyppolyte” de Robert Garnier . La jauge est minuscule (à peine 50 spectateurs). En entrant, j’ai la surprise de me trouver à nouveau dans un appartement (après le loft dans “Les feuillets d’Hypnos“ et le plumard de la Maison Jean Vilar, je me lasse de cette proximité!). Quelques casques sont posés sur les sièges, mais pas assez pour tout le monde (on y écoute la voix des acteurs accompagnée par une guitare électrique). Le musicien est d’ailleurs présent devant son ordinateur (je ne verrais jamais son visage) et un technicien filme la pièce (où il sera possible de la visionner sur grand écran dans une salle adjacente!). Vous l’aurez compris, nous sommes face à un déluge de moyens. Mais servent-ils au moins une recherche autour du théâtre? Donne-t-il au texte de Garnier (c’est une langue du 16e siècle) une force, une méta- compréhension… À moins qu’ils ne permettent aux comédiens de poser un contexte si porteur qu’ils innoveraient dans leur jeu sur scène (ou sur le lino, c’est au choix)?

file-cantarella-hippolyte1884-W.jpg

Rien de tout cela. “Hyppolyte” est ennuyeux, mal interprété (Nicolas Maury, déjà remarqué dans “les feuillets” est toujours aussi insupportable à écouter), où les objets de la vie moderne (un micro-ondes) ne servent strictement à rien si ce n’est à occuper un espace laissé vide par des comédiens qui clame leur texte avec application (c’est quand même une performance). Ils sont desservis par une mise en scène clostrophobique, entravée par le mobilier d’Ikea et surtout gêné par la présence d’un chien qui se contente de leur courir après (le sens m’échappe à la même vitesse que l’animal). Fatigué par ce théâtre prétentieux, je ne pense qu’à partir. Impossible. J’ai peur du chien et cela se voit. Je me contorsionne, ouvre un livre, penche la tête en avant, en arrière. Je souffre. Et j’ai toujours peur de ce chien pas du tout sympathique. Pourquoi n’ai-je pas de casque? A quoi rime cette discrimination? Mes questionnements volent haut…
Ainsi, je deviens le spectateur-acteur dont rêve tant Fréderic Fisbach.
En partant, je n’ose pas lui dire à quel point je me suis trouvé convaincant dans mon rôle.
Je cavale vers la sortie de peur de tomber sur le maître-chien.

Pascal Bély
www.festivalier.net

“Hyppolyte” par Robert Cantarella a été joué le 20 juillet 2007 dans le cadre du Festival d’Avignon.

Crédit photo: © Christophe Raynaud de Lage/Festival d’Avignon

Catégories
FESTIVAL D'AVIGNON OEUVRES MAJEURES THEATRE MODERNE

Warlikowski met fin au « silence des hétérosexuels » lors du Festival d’Avignon.

 La cour du lycée Saint-Joseph accueille Krzysztof Warlikowski, pour « Angels in América I et II ». Ce metteur en scène polonais, habitué du festival d’Avignon, est un réconciliateur. En 2005, au coeur de la tourmente provoquée par l’artiste associé de l’époque (Jan Fabre), « Kroum » avait fait l’effet d’un baume apaisant. Aujourd’hui, il revient pour nous conter le roman de Tony Kushner sur les années sida dans l’Amérique de Reagan. Cette tragédie fait trembler les murs et les gradins, réveille le mistral glacial, et résonne dans cette France décidément bien trop calme.
En juin dernier, le Festival Montpellier Danse s’interrogeait et commémorait les victimes: comment le sida a-t-il influencé la danse ? Quel rôle joue-t-il aujourd’hui ? Comment alerter l’opinion publique sur le drame qui secoue l’Afrique ? Avignon prolonge le débat en inscrivant l’épidémie à l’articulation du politique et de l’intime. Curieuse coïncidence tout de même au moment où l’équipe de Sarkosy, néolibérale et puritaine, brouille les cartes, abat les cloisons pour clore les controverses et marginaliser un peu plus ceux qui pensent différemment. Le théâtre de Warlikowski est donc une bouffée d’oxygène qui repositionne la marginalité au coeur du progrès social, du processus créatif et invite les hétérosexuels (majoritaires) à cesser de considérer l’homosexualité à partir de leur moralité, qu’ils reconnaissent au Sida sa dimension sociale, politique et culturelle. Ces 5h30 donnent à cette tragédie les images d’un film de David Lynch, les métamorphoses d’un Roméo Castellucci, les rythmes d’un Joël Pommerat. Warlikowski réunit mes références théâtrales, incarne mon histoire face au sida dans le jeu exceptionnel des acteurs pour la restituer en fresque vivante.
file-9696-W.jpg

Deux hommes s’aiment ; l’un est atteint du sida, l’autre pas. Plus loin dans la ville, un couple se déchire : l’un est attiré par les ballades dans les parcs pour y observer les hommes, l’une prend des cachets dans l’attente d’avoir un enfant. À côté de ces amoureux transits, un avocat, proche de l’équipe Reagan, a le sida qu’il dissimule en cancer, hanté d’avoir plaidé la peine de mort pour Ethel Rosemberg. Tous les acteurs de cette tragédie sont reliés, mais profondément isolés dans leur souffrance. Ils sont des marionnettes manipulées par les oligarchies religieuses, enfermés dans les jeux de leur caste professionnelle, prisonnier de leur idéologie. Qui tient les fils ? Comment s’en échapper ?  
file-9300-W.jpg

C’est là que Warlikowski démontre toute la puissance de son art : guérir du « sid’amour », c’est ouvrir les espaces de dialogue, libérer les peurs, tisser des liens de solidarité, laisser la place à l’inconscient pour qu’il fasse son travail d’introspection et de réparation. A l’image de l’unité de lieu (grande pièce aux murs argentés, au mobilier d’un ancien pays communiste, à la fois salle d’église et de réunion du parti) qu’il transforme en chambre d’hôpital, en pays imaginaire de l’Antartique, en coulisse de la mort pour mieux relier, élargir là où le sida enferme, cloisonne, tue à petit feu. La mise en scène de Warlikowski est une approche politique face à une maladie réduite par les hétérosexuels à la sphère de l’intime. Elle met en mouvement le lien que les malades ont tissé avec leurs proches: dire, mais pas tout, suggérer pour éviter le voyeurisme, donner du sens à l’inacceptable pour préserver la vie. Warlikowski a tout compris de cette maladie, de sa complexité, mais aussi des enjeux sociétaux : ce sont les minorités qui enclenchent le changement. Il ne simplifie rien, mais ouvre en permanence jusqu’à la scène finale où tous les acteurs assis face à nous, dissertent sur le sens de la vie, nous aident à nous réapproprier la question du sida, facilitent le passage de la fiction à la réalité (l’histoire est toujours en oeuvre avec ce virus).
Deux jours après, une spectatrice me confiera : « il ne faudrait pas réduire « Angels in América » à une pièce sur les homosexuels ». Qui lui parle de réduire ?

Pascal Bély
www.festivalier.net

« Angels in América » par Krzysztof Warlikowski a été joué le  20 juillet 2007 dans le cadre du Festival d’Avignon.

Crédit photo: © Christophe Raynaud de Lage/Festival d’Avignon

Catégories
FESTIVAL D'AVIGNON

Au Festival d’Avignon, Faustin Linyekula manque la rencontre.

Le chorégraphe congolais Faustin Linyekula est une belle personne. Je le ressens généreux, sensible, ouvert. Son corps traduit à la fois fragilité et force. Son regard, toujours bienveillant, accompagne sa voix douce et déterminée. Le Festival d’Avignon l’honore cette année avec deux propositions. Après “Dynozord: the dialogue series III“ qui ne m’avait pas convaincu, Faustin Linyekula récidive avec “Le festival des mensonges” à la salle de Champfleury. Un orchestre, des chanteurs, un bar géré par une association, des bancs tout autour d’une scène délimitée par des néons et des fils électriques posent le contexte de la soirée. L’ambiance est à la fois décontractée, mais concentrée, au coeur d’un théâtre, d’une fête organisée pour le public. Elle s’inspire d’une coutume des paysans de Patagonie qui, une fois par an, se retrouvent une nuit entière pour un concours de mensonges.
Festmens.jpg

Faustin Linyekula s’empare de cette tradition pour son pays, la République du Congo (ex-Zaïre), en Avignon. L’occasion est trop belle pour dénoncer, extraits sonores à l’appui, l’ensemble des mensonges, des crimes, perpétués par une classe politique locale et internationale. Ils sont donc trois danseurs (dont Faustin), une comédienne, un orchestre pour accompagner ces bonimenteurs. La danse, souvent à terre, entremêle les corps. Les néons s’interposent, barrent la route, clignotent comme autant de signaux d’alerte. Tout à la fois matériaux pour faire un feu et fluide électrique, ils envahissent le trio et finissent par l’engloutir. La comédienne évoque sa famille (surtout son père, fonctionnaire d’État) et son désir de voter, mais ses paroles tournent en rond comme un disque rayé d’autant plus que les voix de Mobutu, de Giscard brouillent les messages (c’étaient sûrement leur fonction à l’époque!). Soudain, alors que le trio se perd un peu dans la chorégraphie (sophistiquée) de Faustin Linyekula, la danse s’arrête: le public n’investit pas assez le bar! Or, consommer pendant le spectacle est la seule source de financement de la culture au Congo. Cette interruption, loin d’être anodine, renforce notre position “haute” vis-à-vis de l’Afrique (n’aurions-nous que celle-là? A qui vont donc les 25 euros de chaque place?). On nous culpabilise, à moins que Faustin Linyekula assume difficilement sa chorégraphie, plus proche de la danse contemporaine européenne qu’africaine. Nous sommes plusieurs à ressentir ce malaise: le contexte du spectacle flotte entre scène de théâtre et fête populaire (pour des blancs?) et finit par brouiller le propos artistique. Pourtant, l’un des derniers tableaux est époustouflant de beauté et de justesse: sur une longue table, avec des poupées cassées et désarticulées, les artistes simulent une rencontre au sommet entre tous ces menteurs. Le collectif finit sous la table, de nouveau englouti. Au lieu d’ouvrir sur un futur possible pour leur pays, ce final signe le désespoir de ces jeunes artistes dont le seul projet est de partir.
Comment pourrions-nous faire la fête avec un telle conclusion? Pour de nombreux spectateurs, la soirée, prévue pour se prolonger, se termine à l’image d’un Festival qui a bien du mal à nous retenir pour débattre collectivement d’autant plus que les habitants du quartier populaire de Champfleury sont cruellement absents. L’occasion était trop belle, tel “le théâtre des idées” organisé l’après-midi, pour transformer ce “festival des mensonges” en agora populaire sous l’arbre à palabres. Au lieu de cela, chacun repart chez soi pour enfermer à double tour sa vision d’un continent décidément trop loin de nous.
Faustin, revenez! 

Pascal Bély
www.festivalier.net“Le festival des mensonges” de Faustin Linyekula a été joué le 21 juillet 2007 dans le cadre du Festival d’Avignon.