Catégorie : EN COURS DE REFORMATAGE

Les dix plus beaux nouveaux espaces.

«Human» de Christophe Huysman. Festival d’Avignon.
"Lugares Comunes" de Benoît Lachambre. KustenFestivaldesArts de Bruxelles.
« L’homme de février » de Gildas Milin . Festival de Marseille.
« 2008 Vallée » de Mathilde Monnier et Philippe Katerine. Festival Montpellier Danse.
"Gyrations of barbarous tribes" par La Compagnie Kubilaï Khan Investigations. Festival Les Hivernales. Avignon.
« Obstrucsong » de Palle GranhØj . Festival Les Hivernales. Avignon.
 « Sizwe Banzi est mort » par Peter Brook. Festival d’Avignon
« Letters from Tentland Return to sender » par Helena Waldmann . Festival Montpellier Danse.
Concert de Camille.  Festival « Les Botaniques ». Bruxelles.
Concert de Dominique A. Théâtre des Salins. Martigues.

Au commencement, il y avait le chapitre 1 du bilan, puis le chapitre 2!

Soufflerait-il dans le spectacle vivant, un vent nouveau qui nous apporterait des formes artistiques inédites où se croiseraient la danse, le théâtre, le cirque, les arts numériques, le nord, le sud, l’est et l’ouest ? Ces croisements s’inscrivent dans un contexte de précarisation générale des artistes qui semble les avoir conduits vers des expressions créatives pour le moins surprenantes.
Cette transdisciplinarité a souvent dénoncé une société individualiste et communautariste. Les créateurs ont recherché des espaces de communication capable d’inventer des liens sociaux moins verticaux.
C’est le poète et metteur en scène Christophe Huysman qui a le plus étonné avec « Human ». À partir d’articulations complexes entre le vertical et le transversal, Huysman propose une poésie de corps entremêlés. Des liens sociaux inédits émergent alors. Le chorégraphe Benoît Lachambre avec "Lugares comunes » a également ouvert  notre regard sur le collectif transversal, au moment où les sociétés se communautarisent. Lachambre leur préfère le lien créatif qui complexifie au détriment de l’interaction qui clive, du langage médiatique et marketing enfermant.
Le metteur en scène Gildas Milin, avec « L’homme de février » a mis l’accent sur les théories comportementalistes qui semblent structurer patiemment notre société fascisante. À trop vouloir contrôler la psyché pour faire face à la complexité, nos politiques finiront par tout « normaliser », même la folie.  En reliant le théâtre, la danse et un concert rock,  Gildas Milin nous a offert l’un des spectacles les plus détonants de l’année.
Cette « folie créative » est à rapprocher de l’œuvre chorégraphique et musicale proposée par Mathilde Monnier et Philippe Katerine. « 2008 Vallée » est une drôle de création, porteuse d’une énergie contagieuse avec un regard féroce sur notre société vide de sens jusqu’à l’absurde. Les six danseurs, compagnons de fortune de Katerine, trouvent des stratégies pour réinventer de nouveaux modes de communication dans des espaces encore improbables aujourd’hui.
Sans aller jusqu’au chaos créatif prôné par Monnier et Katerine, ne conviendrait-il pas de retrouver notre imagination perdue même à partir de nos cadres les plus enfermants. C’est  ce défi qu’a relevé la chorégraphe Danoise Palle GranhØj avec «Obstrucsong », pièce réjouissante où chaque mouvement en rencontre un autre qui l’entrave ! Cette contrainte (d’où l’obstruction) devient une force créative pour les danseurs. À l’heure où certains voudraient renforcer la coercition pour empêcher la créativité, « Obstrcsong » est un magnifique message d’ouverture dans ce monde globalisé.
Le chorégraphe Franck Micheletti nous a proposé d’autres espaces avec "Gyrations of barbarous tribes" à partir d’un collectif métissé de plusieurs rythmes dans la chorégraphie (vibrante jusqu’au paroxysme, organisée, déstructurée, organique toujours)symbole d’une mondialisation inventive. Mais cette recherche butte sur la peur des sociétés industrialisées comme l’a témoigné Peter Brook avec son dernier spectacle, sensible et intelligent, « Sizwe Banzi est mort ».  Mais même les pouvoirs
les plus tyranniques ne résisteront pas longtemps à ce mouvement d’ouverture qu’offre  la mondialisation comme l’a magnifiquement démontré la chorégraphe Helena Waldmann avec « Letters from Tentland Return to sender », puissant message d’espoir pour les femmes iraniennes.
En 2006, les concerts ont également ouvert leurs espaces trop souvent réduits à un tour de chant bien huilé pour laisser la place à l’inattendu. La chanteuse Camille m’a épaté dans sa recherche pour créer entre elle et le public, entre la chanson et l’art, de nouvelles articulations. Elle a dépoussiéré le concept de concert pour le transformer en fresque théâtrale !
Dans un autre registre, le chanteur Dominique A a donné à son dernier concert des airs symphoniques, en concevant un territoire quasi hypnotique.
2007, année des possibles ?

Les dix plus belles métamorphoses théâtrales.

1- « Combat de nègre et de chiens », par Arthur Nauziciel. Festival d’Avignon.
2- «Guerre et Paix» par Piotr Fomenko. La Criée. Marseille.
3- « Face au Mur » d’Hubert Colas. Théâtre du Gymnase. Marseille
4- « Psychiatrie/Déconniatrie » par Christian Mazzuchini. Théâtre du Merlan, Marseille.
5- « Au monde » de Joël Pommerat. Festival d’Avignon.
6- « Rouge décanté » par Guy Cassiers. Festival d’Avignon.
7- « Long life » par Alvis Hermanis. Théâtre des Salins. Martigues.
8- « Le révizor » par Christophe Rauck . Théâtre des Salins. Martigues.
9- « Gente di Plastica » par Pippo Delbono. Théâtre des Salins. Martigues.
10- « Les poulets n’ont pas de chaises » par Marcial Di Fonzo Bo. Festival d’Avignon.

Au commencement, il y avait le chapitre 1 du bilan! Par la suite, n’oubliez pas le chapitre 3!

En 2006, la danse a métamorphosé mon regard, ma place de spectateur. Elle a dérangé mes certitudes et effacé mes approximations. Le théâtre m’est apparu plus en retrait dans ce mouvement d’émergence d’une culture transversale et pluridisciplinaire. Dix pièces ont tout de même jalonné mon parcours de spectateur en quête de nouveaux textes, de jeux d’acteurs improbables et de résonances personnelles révélées.
L’année 2006 aura vu l’articulation entre le langage « cinématographique » et théâtral. Elle a mis du lien entre les corps, les mots et le contexte de l’histoire mais elle a surtout permis de structurer l’inconscient comme un langage.
Les rythmes linéaires dans la mise en scène ont ainsi laissé la place à des mouvements plus complexes. « Combat de nègres et de chiens » d’Arthur Nauziciel a été le plus novateur dans ce changement de temps et d’espace en donnant au spectateur la bonne distance émotionnelle pour l’inviter à réfléchir autrement sur le racisme.
« Au monde » de Joël Pomerat est allé plus loin pour comprendre la complexité d’un système familial en osant une mise en scène entre théâtre et cinéma à l’image d’un « entre-deux » entre l’art et la psyché.
Guy Cassié, avec « Rouge décanté » (cf.photo) utilisa la vidéo comme support au langage de l’inconscient en nous offrant des effets visuels et de lumières saisissants capables de décanter la mémoire du personnage principal.
Cette déconstruction du temps et de l’espace fut largement utilisée par l’acteur et metteur en scène marseillais Christian Mazzuchini dans « Psychiatrie / déconniatrie » pour faire apparaître l’inconscient par un procédé créateur. Ici aussi, la vidéo était au service d’un nouveau langage loin de l’esthétique vide de sens.
Cette « déconstruction » de la mise en scène fut le moyen de nous parler de notre société mondialisée. Hubert Colas, avec « Face au mur », a conféré aux textes de Grimp une actualité brûlante par un jeu d’acteurs emprunté aux idéologies comportementalistes si chères à une certaine classe politique.
Pipo Delbono, avec « Gente di Plastica » fut peut-être le metteur en scène le plus radical : peu de texte, tout était suggéré pour nous inviter à faire notre chemin dans la réflexion sur la conduite actuelle et passée du monde.
Dans ce bilan, comment ne pas évoquer l’apport des Pays de l’Est ? Avec eux, le regard du spectateur, loin de se centrer sur un point de la scène, devenait horizontal. Piotr Fomenko avec « Guerre et Paix » nous a proposé une mise en scène si « globale » qu’elle nous obligeait à nous mettre en mouvement et le théâtre, par magie, se transformait en fresque animée !
Même vision avec « Long Life » du letton d’Alvis Hermanis où le jeu des acteurs, tel un film d’animation, nous propulsait à regarder la scène comme un écran large capable de suivre au plus près le processus de vieillissement d’habitants d’un immeuble.
Ces mêmes mouvements saccadés et quasi chorégraphiés du corps animèrent la mise en scène décomplexée de Christophe Rauck avec son « Révizor » haut en couleur ! Dans la même veine, «Les poulets n’ont pas de chaises» de Copi mis en scène par Marcial Di Fonzo Bo m’aura permis de traverser le dessin ! De statique, il devenait animé. Cette belle et touc
hante mise en mouvement a donné un sens presque universel aux dessins de Copi publiés dans le Nouvel Observateur dans les années 60-80.

2007 promet un théâtre encore plus ouvert. C’est inéluctable.

Les 11 oeuvres majeures de 2006

1- Michel Kelemenis, « Aphorismes Géométriques ». Festival « Danse à Aix » 2005 ; « Danse en Avril ». Aubagne / Théâtre des Salins de Martigues.
2- Joseph Nadj, Miguel Barcelo, « Paso Doble ».  Festival d’Avignon.
3- Angelin Preljocaj, « Empty Moves ». Pavillon Noir, d’Aix en Provence.
4- Sidi Larbi Chercaoui,"Zero Degrees". Théâtre de Chateauvallon.
5- Alain Platel, « VSPRS ». KustenFestivaldesArts de Bruxelles.
6- Russell Maliphant, « Pusch ». Scène Nationale de Cavaillon.
7- Claude Brumachon, « Icare ». Festival Les Hivernales. Avignon.
8- Patricia Allio, «sx.rx.Rx». KustenFestivaldesArts de Bruxelles.
9- Heiner Goebbels, « Eraritjaritjaka – Musée des Phares » au Festival de Marseille.
10- Pina Bausch, « Kontakthof ». Théâtre du Merlan de Marseille.
11- Maguy Marin, « Ha ! Ha!». Festival Montpellier Danse.

Faire le bilan d’une année de spectateur nomade est émouvant. Des images défilent, des sensations renaissent et je m’étonne encore d’avoir pu écrire sur ces œuvres sublimes. Ce premier article évoque ces spectacles qui ont profondément déconstruit mon regard, cassé mes schémas pour les ouvrir et me permettre d’élaborer une représentation différente du corps, de l’espace et du jeu. Onze œuvres majeures, fondamentales, celles qui vous communiquent la force de tracer votre voie vers le sens.

Le chorégraphe  Angelin Preljocaj, avec « Empty Moves » a osé une ode au mouvement. Je ne pensais pas qu’un geste dansé pouvait être aussi pur, qu’il pouvait donner du sens au sens ! « Empty Moves » a peut-être inspiré l’architecte Rudy Ricciotti pour la construction du magnifique « Pavillon Noir », propriété des Balles Preljocaj à Aix en Provence, inauguré en octobre 2006.
Toujours sur le registre du sublime, deux chorégraphes ont inscrit la danse dans le champ de la relation circulaire, de « l’écologie du lien » si chère à Edgar Morin : Russel Maliphant avec « Pusch » et Claude Brumachon avec « Icare ». Je fus bouleversé par la force émotionnelle de ces deux œuvres: j’ai lâché – prise.

C’était un soir de juillet dans le magnifique site de Chateauvallon. Deux chorégraphes, l’Anglo – Bengali Akram Khan et le Belgo – Marocain Sidi Larbi Cherkaoui articulaient avec « Zero Degrees », différentes cultures pour créer le patchwork de l’humanité. La danse se faisait colombe, le spectateur devenait son messager. Sidérant.

Deux œuvres ont fait résonance, co
mme  une séance chez l’analyste : « Kontakthof » de Pina Bausch et « Ah ! Ah ! » de Maguy Marin. Elles ont touché le désir, celui d’aimer autrement, de voir ailleurs, de penser différemment.

A lire, le 2ème chapitre puis le 3ème chapitre du bilan.

Quelles sont vos oeuvres majeures en 2006? La rubrique commentaire en bas de l’article est pour vous!

Ce mercredi 20 décembre, le Pavillon Noir d'Aix en Provence accueille deux créations des Ballets Preljocaj : « Empty Moves (part I) » et « Noces ». Je me sens prêt pour cette soirée tant attendue : je n'ai jamais eu l'occasion de voir ces ?uvres en tournée en France. Toutefois, rien ne se passe agréablement dès que j'entre dans cet illustre bâtiment ! Prévu à 20h30, « Empty moves » débute à 21h15. Au préalable, nous avons droit à un discours humanitaire à la sauce culturelle de l'artiste plasticien Jean-Michel Bruyère, accompagné d'Angelin Preljocaj, qui prend son temps pour nous expliquer les missions de la Maison ? clinique ? école, « Man ? Keneen ? Ki ». Des photos d'enfants abandonnés dans les rues de Dakar sont projetées. Les recettes ou bénéfices de la soirée (on ne sait plus) sont reversés à cette association. À mesure que l'exposé confus de Bruyère avance, deux niveaux se mélangent : le projet humanitaire et l'?uvre culturelle. Qui finance qui ? Pour avoir vu l'exposition de Bruyère lors du Festival d'Avignon en 2005, je me pose légitimement la question sur ses intentions. On apprend que la banque BNP ? PARIBAS est sur le coup, mais pas un mot sur la société TOTAL, pourtant présente au Sénégal et qui entretient la misère de ces enfants. Je m'éloigne de la danse, mais le Pavillon Noir a décidé de nous imposer cette confusion, sans distance, avec complaisance et qui entretient le regard misérabiliste français à l'égard de l'Afrique.
« Empty moves (part I) » commence. Je suis un peu tendu, mais pas pour longtemps : cette chorégraphie de vingt-huit minutes atteint le sublime. C'est sans aucun doute la plus belle ?uvre d'Angelin Preljocaj. Quatre danseurs s'articulent au rythme des paroles et phonèmes lus par John Cage au Teatro Lirico de Milan enregistrés en décembre 2007. Le contexte chaotique de son intervention (on entend le public italien manifester tout à la fois sa colère et sa joie) est traduit à partir des mouvements du quatuor. On frôle la pureté tant cela devient indescriptible. Je me sens touché physiquement : mon corps tremble comme si la proximité du sublime reliait à toute allure tous mes organes vitaux. Le chaos prend sens sous nos yeux : loin d'être réduit au désordre, Angelin Preljocaj réussit la prouesse de chorégraphier l'intention artistique de John Cage. L'art se danse et c'est majestueux : tout est articulé avec délicatesse, légèreté, créativité. Ils sourient parfois, se perdent, se retrouvent pour nous aider à approcher ce sublime que nous cherchons souvent sans jamais l'atteindre. « Empty Moves » est un chef-d'?uvre. Je vibre encore.

L'entracte de quinze minutes n'y fait rien. Je me sens sonné par ce que je viens de voir. Il devient alors difficile d'écrire sur « Noces », la deuxième proposition indigeste d'Angelin Preljocaj, créée en 1989. Dix danseurs sont à la fête sur la musique envahissante d'Igor Stravinski. Nous sommes dans les Balkans : tout est joyeux, en apparence. Pourtant, le mariage évoque cet acte tragique qui fait de la mariée (symbolisée par des poupées) une monnaie d'échange. Mais pourquoi tout ce vacarme ? Pourquoi cette chorégraphie approximative réduite la plupart du temps à du mime ? Le sens est noyé dans ces gesticulations caricaturales qui enferment les danseurs dans des rôles réducteurs. Où est la danse ? Pourquoi cette pièce est-elle accolée à « Empty Moves »? Que peuvent vouloir dire les applaudissements enflammés pour cette ?uvre qui sent la naphtaline et leur réserve pour le moins surprenante à la fin d' « Empty Moves »? Mais quel est donc ce nouveau public, qu'il me semble n'avoir jamais rencontré, même au temps du feu Festival « Danse à Aix » ? Je n'attends plus la fin de ces applaudissements. Seul dans l'allée, je pense aux enfants de Dakar, aux femmes mariées soumises, et à ce quatuor sublime. Le marketing humanitaire et culturel a encore frappé. Le public de danse est-il lui aussi une monnaie d'échange. À la recherche d'une cohérence, je ne ressens que du désordre.
À mesure que je marche, j'entends la voix de John Cage. Le quatuor m'ouvre la voie.

Les comiques sont partout. La chorégraphe Maguy Marin s'en était émue avec « Ha !Ha ! » , sa création  qui a fait scandale lors du dernier Festival Montpellier Danse. Elle fustigeait cette France qui rit de tout pour préparer l'arrivée du fascisme. «Ne pas se prendre la tête » semble être le slogan de nombreux cons qui, ici ou là, diffusent l'idéologie d'une société de consommation, modèle par excellence du bien-être. Malgré tout, je pars au Théâtre des Salins de Martigues pour le spectacle « comique » de François Morel, « Bien des Choses ».
Le public est là, prêt à se payer une bonne tranche de rigolade. Je me sens un peu décalé, mais je m'accroche.
Le décor est minimaliste : deux tables de bistrot, une moquette. Derrière un rideau quasi transparent, Olivier Saladin prépare son autruche de compagnie pour le départ. Elle résiste, lui donne des coups de bec, mais l'homme ne se laisse pas impressionner par la marionnette. Elle doit partir en allant « toujours tout droit » pour éviter de finir comme sa cousine, dans un réacteur. Fin de cet épilogue poétique qui pose le voyage comme symbole de l'ouverture.
François Morel et Olivier Saladin débarquent ensuite, munis de leur boîte en fer remplie d'une pile de cartes postales. Roger et Madeleine Rouchon partent souvent en voyage et ne manquent jamais une occasion d'écrire à leurs amis Robert et Janine Brochon. Ces derniers ne sont jamais en reste pour leur répondre. Pendant plus d'une heure, les deux hommes dialoguent à partir de ces échanges épistolaires.
Une évidence s'impose : chez eux ou en voyage, les Français véhiculent les clichés qui ont porté Le Pen au second tour d'une élection présidentielle pour transformer cinq ans plus tard Sarkosy en « futur homme d'État ». Le public rit souvent, car les dialogues sont réalistes, piquants. Mais je reste à distance : la France des Rouchon et des Brochon m'exaspère. Elle ne me fait plus rire, car elle me semble omniprésente dans les médias et dans la politique. Loin d'être minoritaire, elle est majoritaire (vote de 2002, référendum en 2005, élection en 2007 ?). Le talent de François Morel est de mettre en scène symboliquement cette France-là, à partir de l'écrit, du voyage, symboles de l'ouverture. Tout en dénonçant les enfermements de la pensée réductrice, François Morel nous invite à la poésie à travers la figure de l’autruche. La dernière scène la montre prendre de la hauteur, celle qui nous fait tant défaut.
« Bien des choses » n'est pas un spectacle comique : juste un propos politique en phase avec son époque. Ecrit comme cela, c’est beaucoup moins drôle!

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Comment le public du Pavillon Noir d'Aix en Provence peut-il applaudir à tout rompre une ?uvre aussi vide de sens ? Cela ressemble à un soutien amical envers un danseur longtemps collaborateur du chorégraphe marseillais Michel Kelemenis et qui était en résidence de création au 3bisF d'Aix en 2004/2005. Je ne fais donc pas partie du cercle.
Christian Ubl, avec « ErsatZtrip » me plonge dans un gouffre : comment écrire sur une esthétique qui ne veut rien dire ? Pour me sortir de cette impasse, je préfère revenir aux  intentions de l'auteur: « ErsatZtrip est la première pièce de groupe de Christian Ubl, inventée avec ses collaborateurs. Elle rassemble danseurs et non-danseurs, sans hiérarchie des corps, ni jugement ou interrogation sur leur présence. Pour le chorégraphe, la représentation vivante est perçue comme un ersatz de la réalité, c’est-à-dire un espace de remplacement d’une certaine esthétique vivante, où l’interprète agit comme un filtre. L’artiste analyse ainsi sa propre expérience, sachant que, par définition, l’ersatz renvoie à l’idée de copie de moindre qualité, mais comporte également des notions fortes de progrès ou d’invention. Pour cette création, l’esthétique recherchée est à la fois plastique et énergétique, et de cet amalgame se dégage parfois un personnage qui interroge la figure d’un héros que nous avons tous aspiré à être un jour ».
La scène n'est pas la réalité : soit.
L'interprète, interprète. Soit.
La réalité n'existe pas : c'est le regard que l'on porte sur elle qui fait sens. Soit.
Quant au héros imaginaire, le réduire à une figure plastique et énergétique est quelque peu réducteur si l'on en croit la psychanalyse.
Christian Ubl enfile donc de jolies perles pour masquer l'absence d'un propos intelligible et intelligent. Pendant une heure trente, j'observe un ersatz d'?uvre chorégraphique. Les symboles envahissent le plateau sans qu'ils fassent pour autant sens. Les objets sont instrumentalisés mais ne sont jamais en lien, juste posés côte à côte. La danse n'apporte jamais une métavision de la réalité : les chorégraphies s'empilent les unes sur les autres, comme plaquées. En prime à ce folklore de « la branchitude », un danseur se met à chanter et s'affranchit de trouver la note juste (pour l'esthétique, je suppose !). Les scènes métaphoriques se succèdent sans aucune articulation entre elles. Un danseur tente bien d'accompagner le propos en le reliant à notre dure réalité: les slogans scandés pendant dix minutes n'ajoutent qu'une confusion bien peu créative (« trop de consommation »  et autre « trop.. » comme autant de slogans politiques révolutionnaires). « ErsatZtrip » croit pouvoir emprunter certains symboles de la danse contemporaine issus des univers de Jan Fabre, de Jan Lauwers voire même de Roméo Castellucci. Ces « copiés- collés » font sourire : ils semblent posés par Christian Ubl pour ne produire que des effets esthétiques.
Au final, « ErsatZtrip » donne l'étrange impression de condenser, d'accumuler, de superposer, tout ce que la danse propose actuellement. Cela ne fait pas une ?uvre chorégraphique : tout au plus un joli zapping dont j'aurais perdu la télécommande.

Pascal Bély

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La danse me répare. Elle crée du sens, du lien. Elle me donne la force de regarder le monde à partir du mouvement et de la relation. Ce désir de danse me conduit à 19h30 au Pavillon Noir d’Aix en Provence pour assister à la chorégraphie de Richard Siegal. Pendant trente minutes, « First Draft / Opus 8 » va m’envelopper, me protéger et me suspendre. Et pourtant, je suis contraint de voir le spectacle debout, au fond du studio, car la désinvolture du Centre Chorégraphique fait asseoir les spectateurs sur des « malabars » en mousse.  En l’absence de gradins, je ne vois rien. Un dispositif bifrontal aurait été adapté, mais le personnel guindé et toujours agité se soucie-t-il du public ?
Richard Siegal est là, accompagné d’un violoncelliste (Eric-Maria Couturier, puissant par sa présence) sur une musique de Zoltan Kodaly. Le corps habite l’espace, s’incruste dans la musique, et guide les gestes du musicien. La musique devient écriture chorégraphique et Richard Siegal fait corps avec le violoncelliste. Il s’en dégage des liens rarement vus sur scène et la curiosité du public  semble ne jamais faiblir. Je découvre qu’un violoncelliste peut aussi danser, qu’un danseur peut-être envahi par une sonate. J’entends Richard Siegal prendre plaisir à ce qu’il fait (« Et hop »dit-il avec amusement) et je me surprends à le suivre comme si je ne voulais perdre aucun de ses gestes.
Je tiens toujours debout: ce fil entre eux et moi relie mon imaginaire et leur projet. Sublime.

Crédit photo: Eric Boudet. Retrouvez-le sur son site, www.eric-boudet.com

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J'aime quand le théâtre nous positionne autrement qu'en spectateurs passifs et qu'il bouscule notre rôle et notre regard. En attendant d'entrer dans la grande salle du Théâtre des Salins de Martigues pour « Long Life » d'Alvis Hermanis, j'ai la douce sensation que nous allons vivre un moment particulier. En effet, pour accéder à nos places, nous devons passer sur la scène et avancer dans le décor. Nous sommes dans le couloir d'un immeuble où traînent des objets d'une époque révolue, où des affiches nostalgiques décorent des murs délavés.  Je marche à pas feutrés et l'odeur d'enfermement pose le contexte d'un pays de l'Est (La Letonie) sous la tutelle de son puissant voisin russe. À la fin du parcours, sur la gauche, apparaît la salle. Je m'installe au premier rang, sur la droite. Face à moi, trois appartements qui ne sont séparés d'aucune cloison. Au spectateur d'éviter d'en mettre !
Nous sommes chez les vieux, ceux que l'on ne voit pas beaucoup, encore moins quand ils sont lettons. Ils s'éveillent, un par un. Deux couples, un célibataire. Nous allons passer une journée particulière comme dirait Ettorre Scola. Tout est suggéré, seuls les gestes parlent : la performance est extraordinaire quand on connaît la jeunesse des comédiens ! Le public affronte ces corps et aucun texte ne sert de refuge : nous n'entendrons quasiment jamais un mot de letton.

Pendant une heure trente, ces vieux nous font rire avec leurs obsessions, leurs maladresses, leur tendresse maladroite. Ils n'ont pas d'argent, mais leur créativité est leur richesse. Comment ne pas être époustouflé quand ils créent de la musique électronique avec presque rien ? Comment ne pas être subjugué de les voir créer des bougeoirs avec du plâtre et des préservatifs ? Nous rions, mais le malaise est palpable dans la salle : assistons-nous à un « loft story » théâtral ? Qui regardons-nous ? À mesure que les scènes se succèdent, je ne peux m'empêcher de me voir changer de regard sur eux : de l'indifférence, à la moquerie, à la compassion, à l'admiration face à la force vitale qu'ils dégagent. La mise en scène m'accompagne dans ce changement :   du voyeur au moqueur, de l'étonné à la colère quand arrive les images de la guerre en Irak sur leur chaîne de télévision. Et oui, nous sommes en 2006, dans un pays européen. Nous apprendrons que les retraites de ces vieux ont servi à financer l'entrée de la Lettonie dans l'Union. Alvis Hermanis nous positionne au centre, avec ces vieux, comme s'il opérait un lien de filiation. C'est ainsi que « Long Life » se niche dans nos consciences : nous serons vieux. Quel système alimentons-nous qui exclut petit à petit ce qui n'est plus productif pour répondre à notre soif de consommation ?
Je quitte le Théâtre un peu abasourdi mais heureux d'avoir rajeuni intelligemment.

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« Superbe ! ». En quittant le Théâtre d'Arles, je ne peux contenir ma joie en adressant ce compliment au personnel d'accueil . Deux chorégraphes sont entrés dans ma vie de spectateur: Héla Fattoumi et Eric Lamoureux du Centre Chorégraphique National de Caen. Leurs noms portent la musique du métissage, du lien : « hélamoureux »?Je le suis ce soir. Sincèrement. Je viens d'assister à une heure trente d'une danse virtuose, intelligente, raffinée. Je découvre un nouveau langage et les images de leurs corps défilent dans ma tête comme une musique libératoire.
Tout commence par « Entrelacs ». Ils sont quatre danseurs et un accordéoniste. Mes jambes sont lourdes après une semaine de travail épuisante. Je doute de pouvoir tenir. Les premiers instants m'emportent et je sens qu'ils ne pourront rien y faire. Je fais un rêve éveillé. Entre conscience et apesanteur, je ne sais plus où je suis. L'accordéoniste tourne autour d'eux, eux vers lui. C'est enivrant de les voir s'articuler, se fragiliser, danser avec leur bras, oser bouger leurs doigts comme s'ils faisaient des pointes. De quatre, elles ne sont plus que deux à former des figures géométriques que la danse va arrondir. Elles sont remplacées par les deux hommes : à ce moment, l'émotion me gagne. Le danseur s'approche de l'accordéoniste pour l'enlacer : il est son instrument. Les corps deviennent les notes que la musique de leurs liens met en mouvement. Sublime.
L'entracte me permet d'apprécier le Théâtre d'Arles : c'est un havre de paix. Même le violent vent du sud de l'extérieur y trouve refuge en jouant une mélodie enveloppante qui accueille Hélà Fattoumi pour son solo, « Wasla ». Il restera dans les annales du Tadorne (et de la danse contemporaine !). Au commencement, il y a une minuscule alcôve orangée qu'un rayon de lumière fragmente. Elle danse dans ces quelques mètres carrés pour se fondre dans le décor.  Cette femme cherche la lueur émancipatrice pour échapper au pouvoir aliénant des hommes et des religions. Pas à pas, elle s'affranchit de cet espace pour venir vers nous. C'est un hymne à la liberté que seule la danse peut à ce point métaphoriser. Sa fragilité devient sa force ; la musique l'accompagne pour mieux s'effacer au moment où le corps, prêt à flancher, se remet dans un mouvement libératoire. Elle retourne dans son alcôve : elle vient de là. Un instant voilée, elle s'en libère puis, avec ses doigts, elle entame une chorégraphie sur son ventre. On imagine, on entend les griffures. Elles ouvrent enfin la voie.
La danse fera toujours trembler. Même les dictatures.

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