Catégorie : LES EXPOSITIONS

C’est mon quatrième Printemps de Septembre. Le plus ennuyeux, le plus triste, sans bruit dans la ville. Même pas une tempête. Encore moins un florilège de bourgeons. Juste quelques feuilles que l’on ramasse à la pelle. Et pourtant, tout avait si bien commencé avec les photographies de Carole Douillard à l’Espace Ecureuil. Allongée dans la rue, son corps endormi réveille nos sens. Le contraste entre ses beaux vêtements de soirée et l’espace public, nous positionne dans un entre deux: à la fois désir de caresser ses cheveux, de l’embrasser et lui porter secours. Est-ce là notre fragile humanité? Magnifiques clichés qui se relient difficilement au slogan du festival (« Une forme pour toute action ») qui, le temps d’un week-end, offre quelques surprises noyées dans un fourre-tout.

A l’image de ces propositions où l’on (dé)pose ici un décor de théâtre (« Xanadoudou » de la Compagnie du Zerep), là une performance en vidéo dans son espace d’origine (« jouer avec les choses mortes » de Boris Achour). Mais les acteurs, les danseurs ou le public participant sont absents. Et quand la danse est là, elle déploie sa nostalgie. Fabian Barba propose différents solos de la chorégraphe Mary Wigman, l’une des pionnières de la danse contemporaine dans les années trente. C’est très joli, mais qu’attendre du spectateur, sinon qu’il apprenne sagement sa leçon d’histoire entre deux salves d’applaudissements? Les commissaires du festival (Eric Mangion, Isabelle Gaudefroy) imaginent-ils qu’une trace historique puisse à elle seule faire sens?

Ce grand vide est accentué par l’installation de Marie Reinert dans le hall du Musée des Abattoirs. Elle y a déposé 77 caisses de transport utilisées pour l’édition du Printemps de Septembre. Des hauts parleurs témoignent de l’activité du déballage. Mais pour déballer quoi? Du bruit. Même ressenti au Musée des Jacobins où est installé un « parc municipal » assez bruyant. Autour d’une structure mobile en bois (tel un manège au coeur d’une foire d’art contemporain?), nous sommes invités à nous propulser dans la vision de l’espace urbain de dix-huit artistes. D’où vient cette étrange impression que le tout est un peu daté? Comme si les messages politiques sous-tendus par ces vidéos étaient déjà dans la sphère publique. Ici l’art témoigne mollement parce que parqué.

Traces aussi avec Roman Ondak («Measuring the Universe») où l’on écrit au stylo noir sur un mur blanc, notre taille et notre prénom. Telle une vague, on est submergé par la beauté de ces traces rupestres et les valeurs qu’elles véhiculent: diversité et mémoire collective (qui n’a pas été mesuré ainsi par ses parents?!).

De la trace aux restes humains, il n’y a qu’un pas franchi avec talent par Santiago Reyes. Pendant quelques jours, juste avant le coucher du soleil, il a balayé minutieusement quelques passerelles au dessus de la rocade de Toulouse. Il en a récolté des matériaux pour en faire une installation toute à fait remarquable. Des écrans vidéos projettent Santiago Reyes à différents endroits tandis qu’au sol, des matières (feuilles, bouteilles, mouchoirs usagés,…) témoignent de notre époque: on jette ce que l’on ingurgite pour apaiser les tensions crées par une société du toujours plus; le vent transporte le végétal qui se fragmente contre les ponts d’où poussent des herbes folles…Et l’artiste, tel un agent de développement durable, de récolter pour restituer.

Autre processus de transformation avec l’artiste iranien Abbas Akhavan à la galerie Voltex. Avec ses doigts, il décolle de petites feuilles d’or qu’il colle sur un grand mur blanc. De sa bouche, sort des mots qui se dévoilent peu à peu. Moment fragile où l’art expulse la poésie du corps. Troublant.

Le printemps est là.

Pascal Bély – www.festivalier.net

“Le printemps de Septembre” à Toulouse du 24 septembre au 17 octobre 2010.

Incontournable « Visa pour l'image » ? Non, juste complémentaire des « Rencontres Photographiques d'Arles », de « l'été photographique de Lectoure » et de tant d'autres. Car le monde réel n'existe pas, seulement des représentations de celui-ci. À Perpignan, il est triste, ensanglanté, « terrible » comme nous l'entendons régulièrement dans les espaces dédiés au public.  Si vous écoutez les excellents journaux de France Culture et leurs reportages, si vous lisez « Courrier International » et « Le monde 2 »,  alors vous constaterez que Visa reprend les grands sujets, mais il ne crée pas l'actualité d'autant plus qu'il fait largement l'impasse sur la crise écologique, financière et boude le continent européen. L'espace dédié au Web-documentaire (l'un des supports les plus prometteurs) est si peu mis en valeur, que l'on doute du soutien du festival pour ces nouvelles formes d'expression.

Ce n'est donc pas tant l'information que l'on vient y chercher qu'une vision déformée d'un monde en chaos permanent.  Le mythe du reporter en temps de guerre peut répondre à ce désir de transcendance. Mais cette année, il semble ne plus faire recette (voir la série de Massimo Berruti sur le Pakistan qui n'hésite pas à faire l'apologie des thèses révisionnistes sur le 11 septembre). Même les reportages sur la misère sociale aux États-Unis (Brenda Ann Kenneally) ont un goût de déjà vu.  C'est une certaine vision du photojournalisme qui paraît désuète, peu en phase avec le nouveau paradigme de la communication qui réclame de la rencontre, du lien, de la résonance et non plus cette information descendante que le reporter consent à partager.  

Nous avons besoin d'une photographie qui assume sa subjectivité pour oser nous raconter des histoires et le public de « Visa pour l'image » ne s'y trompe pas. Walter Astrada avec « Madagascar ensanglantée » sait capter le drame qui se joue dans les rues d'Antanarivo et s’inclut dans le processus démocratique qui oppose le jeune maire de la capitale Andry Rajoelina au président en place Marc Ravalomanana.  La plus longue file d'attente est pour Callie Shell et sa série de photographies sur Barack Obama. Nous rêvons de ce Président-là parce que la photo sait faire partager une vision politique bien au-delà du continent américain. Quant à Eugène Richards, il réussi à transformer une salle d'exposition en lieu de commémoration pour les soldats américains et leurs familles broyées par la guerre en Irak. Le silence des spectateurs en dit long sur la force de ce travail, d'autant plus qu'Eugène Richards ose une « scénographie » que l'on voit rarement à « Visa pour l'image » qui se contente bien souvent d'aligner les photos les unes à côté des autres.

Viktor Drachev avec « Entre humour et gravité » réussi à faire de sa série de photographies sur les habitants du Bélarus, une galerie de personnages et de climats telle une pièce de théâtre en préparation ! Le public va et vient comme s'il écrivait son carnet de voyages. Jubilatoire. Quant à Ulla Lohmann, « la cité des cendres » nous plonge dans l'enfer de Rabaul, site ne Papouasie-Nouvelle-Guinée, qui vit sous les éruptions permanentes du mont Tavurvur depuis 1994. Elle ne décrit pas, mais elle fait de ces cendres tombées du ciel, un décor de cinéma où le spectateur empathique prend le pas sur le voyeurisme de la catastrophe. Troublant.

Mais c'est peut-être Steve McCurry qui parvient le mieux à s'échapper du cadre restrictif posé par l'éditorial de Jean-François Leroy. Avec son « instant privilégié », il réconcilie la photo artistique et de reportage en se nourrissant des contextes (pêcheurs du Sri Lanka, cimetières de bateaux au Pakistan, ?) qu'il partage en faisant le pari que le ressenti du spectateur est en soi une information.

La sortie de crise du photojournalisme est à chercher vers ces photographes qui ont compris que le reportage devait s'ouvrir à de nouvelles formes d'expression. Car l'enjeu n'est pas tant de nous informer que de nous parler et nous toucher pour finalement nous «peopoliser» !

ps: à lire l’excellent article de Louis Mesplé sur Rue89.

Le festival « Visa pour l'image » sait rendre les hommages quand il retrace la carrière d'un photojournaliste comme celle de Françoise Demulder, disparue en 2008.

Il s'agit d'un petit bout de femme déterminé et à l'?il juste. Trop juste pour pouvoir continuer ce début de carrière comme modèle dans la mode. « Fifi », comme la nommait Yasser Arafat, a placé le Proche Orient au centre de sa vie. Elle vivait les malheurs de tous, accompagnée de son appareil photo, s’abstenant de shooter en cascade.

À « Visa pour l'image », les photos de Françoise Demulder émeuvent par la force de l'inhumanité qu'elle savait immortaliser. Une femme apeurée négocie la survie de ses enfants avec un soldat armé.  Une autre, bras tendus, mains ouvertes, implore la miséricorde auprès de militaires au milieu d'un quartier en feu où règne le chaos, la peur, l'angoisse. Un enfant vietnamien, allongé sur un lit d'hôpital, symbolise la victime irréversible des conséquences d'une guerre. En quelques photos, Françoise Demulder démontre notre impuissance à réparer l'irréparable tant nous nous sommes perdus dans l'engrenage : la guerre de certains, détruisant à l'ultime les autres.

Les photos exposées ont trente ans. Le temps d'une génération. Elle nous laisse en héritage un cri : celui de continuer à lutter contre des horreurs de guerre restées jusqu’alors sans écho de paix.

Deux photographes semblent s'inscrire dans sa lignée sans pour autant nous offrir un pas de côté capable de faire évoluer le photoreportage de guerre.

Pascal Maître avec « Somalie, le pays abandonné de tous » démontre l'enchevêtrement des maux dont souffre ce pays qui finit par déshumaniser tout un peuple : guerres civiles, déchets toxiques et radioactifs largués par les Occidentaux, pirates des mers. L'inexistence fait la force des clichés : camps de réfugiés, une mère avec ses enfants en pleine décharge, un soldat au regard inhumain, la misère des hôpitaux pour soigner les brûlés.

Cependant, au c?ur de cet abandon, la vie prend les couleurs et nous offre une échappée à la lourdeur du reportage. Les Somaliens continuent de se battre contre le désengagement des pays riches. Pascal Maître, après ses six années de présence là-bas, espère: une bergère, aux portes du désert, nous tourne le dos, regarde vers l'horizon et garde son troupeau de chèvres. Tel un spectre vêtu d'un voile d'or, elle veille sur la vie.

À l'ouest de la Somalie, la République Démocratique du Congo. Dominic Nahr a photographié les horreurs de la guerre qui a opposé, et opposera encore, les tutsis, les militaires du gouvernement et les rebelles de la libération. Prises dans un chaos vertigineux, les populations ont fui, réduites à abandonner les corps sans vie de leur entourage, à se frayer un chemin entre les armées des rebelles et autres militaires. Dominic Nahr parvient à nous guider vers une voie sans issue.

Les photos d'enfants surgissant de fumées épaisses soulignent l'enfance volée tandis que les rebelles armés démontrent leur toute-puissance guerrière alors que celles de l'exode figent ce que nous avons l'habitude de voir dans les journaux télévisés.  Mais ici, pas question de faire du zapping. Ce reportage nous invite à apprendre à re-regarder, à re-comprendre, les flots d'images dont nous sommes inondées. La dernière photo, celle d'un enfant jouant avec un sac plastique sur la tête, nous étouffe de tant de violence, au nom du pouvoir, si peu soit-il.

Le photojournalisme nous propose un monde sans couleur, fade, avide de violence. À notre désir d'information répond  l'aveuglement à ce flot d'images qu'un sentiment de tristesse parvient parfois à stopper. Mais que retenir de ces deux visions de la Centrafrique ? Peut-on croire qu'il n'y a plus de joie, juste de l'abandon et plus d'avenir ? Même rare, pourquoi ne pas aussi photographier la créativité dont tout être humain est capable ?

Diane Fonsegrive ? Laurent Bourbousson ? www.festivalier.net

“Visa pour l'image” à Perpignan. Jusqu'au 13 septembre 2009.

Comment une idée folle, celle de créer un festival de la photographie,  naît -elle dans une petite ville comme Arles, que rien ne prédestinait à l'image? On suppose bien des hypothèses : le délire d'un pari, l'amitié, l'histoire, la politique, mais au final, c'est une forte volonté de fous bien pensants et pas des moins connus, de vivre la photo intensément. Cependant, à l'époque, la jeunesse n'ambitionnait pas la force de l'âge. On parlait du moment présent, de rencontre parce que l'on était d'abord entre amis. On évoque Lucien Clergue (photo), Michel Tournier? D'ailleurs au début, et Christian Caujolle (fondateur de l'Agence Vu) l'avoue bien sincèrement, il y avait peu de spectateurs, mais une envie de vivre la passion fougueusement. Et l'aventure a confirmé l'histoire de ces passionnés de l'argentique, puis du numérique, voire de l'informatique et de la vidéo. Aujourd'hui, ceux- là sont nombreux dans les rues d'Arles avec toujours le même désir qu'avant, découvrir et faire découvrir, autrement dit partager, rêver, car c'est bien la fonction première de la photographie. Aux prémices de ces retrouvailles, on dénombrait plus de clichés souvenirs que sur les années les plus récentes. Mais l'âme du départ se veut conserver.  On compte 40 ans d'images d'archives, d'ambiance et de contexte de travail, de visages connus, de renommées et d'un temps peu éloigné, mais déjà échappé.

Cependant, cette année, les Rencontres Internationales de la Photographie m'ont frappé par leur vide, malgré le nombre important de photographes exposés. Un vide comme un grand sentiment d'absence où l'on cherche encore ce que l'on pourrait retenir de toutes ces expositions. Ce sentiment m'a d'abord irritée : je me sentais leurrée. La colère n'étant pas bonne conseillère, j'ai laissé aller. Ma quête a engendré une vague amère, me poussant à prolonger le propos : pourquoi ?

Il me fallait trouver la raison de cet état. J'ai donc regardé. Beaucoup. J'ai écouté de façon indiscrète les échanges entre spectateurs. Le silence était souvent de mise devant les ?uvres, les propos échangés rapides et insignifiants, les expressions des visages impassibles, le pas fréquemment accéléré. Même les chaises prévues pour se poser et s'évader étaient immanquablement vide comme si l'on ne souhaitait pas s'imprégner des lieux ou rester sur une impression. Était-ce le signe du vide ? Et si les spectateurs triaient de façon ordonnée pour réagir plus vite et aller à l'essentiel estimable ? Serions-nous devenus des consommateurs d'art ? « On prend, on jette ». Entourés et bercés par un nombre de plus en plus écrasant d'images (pub, vidéo, télévision, cinéma, BD, photo d'amateurs, de professionnels, d'artistes?), serions-nous blasés à leur simple évocation ? Sommes-nous tombés, sans nous en rendre compte, dans l'industrie de l'image ? Ce processus ne serait-il pas au c?ur de la commande photographique exhibée à Arles en 2009 appauvrissant le contenu et le contenant? Le spectateur n'exprimait-il pas par ses attitudes si peu spontanées , la perte de la beauté au profit d'une  esthétique empêchant de dessiner le chemin qui nous conduit à rêver, à construire ?

Quelque chose n'a pas fonctionné à Arles comme si l'étonnement n'avait pas jailli avec son lot d'émerveillements, d'interpellations et de sublime.

La beauté permet à l'?uvre de continuer à exister hors contexte, dans nos souvenirs, jusqu'à la prochaine rencontre où l'on se souviendra de cette première sensation, comme le plaisir de la madeleine de Proust. Qu'est devenue la beauté à Arles? La « réalité » photographique m'est apparue prisonnière de sa forme jusqu'à modifier ses contours, rendre flou le c?ur pour  l'abstraire et la contraindre à exprimer un concept, parfois fort synthétique. On la modèle donc, la structure, la tend et l'étend afin d'en extraire toutes les possibilités. De là, on suppute  une explication  désignant ainsi l'orientation du cliché. Et c'est alors, que je bute. Ne va-t-on pas trop loin dans la déformation de la nature même de la photographie ? À force d'y voir un discours à rallonge, ne tend-on pas à mentir le propos, par vanité d'obtenir le meilleur artifice ? On finit par s'éloigner de la nature de l'objet du signifiant et du signifié. Et si tel en est le souhait, quelle en est la vraie portée ? Concept d'une non photo ? Celle qui aurait tout perdu jusqu'à son identité ?  

À Arles, la réalité devient alors errante, prisonnière de représentations de plus en plus torturées puisées dans les profondeurs de nos âmes si noires. Les Rencontres Photographiques se sont appuyées sur toutes les pièces de l'escalier que nous avons collectivement construit pour descendre dans nos enfers de société malade. Maintenant que les repères s'effacent au  profit de l'angoisse collective du lendemain, que nous détruisons quotidiennement nos parts de rêve, que nous propose la photographie ? Quel horizon dessine-t-elle ? Arles est resté scotché à célébrer ses 40 ans et nos malheurs avec !

Pourtant, il y a quelques mois, j'avais constaté à Londres un phénomène de quête de refuge dans les arts, un comportement social qui m'avait alors marqué. Ces hommes, femmes et enfants qui entraient au Musée, paraissaient chercher la valeur guide et  identitaire qui serait le salut par sa réponse.

Un appel à la création du XXIème siècle ?

Diane Fonsegrive – www.festivalier.net

Les RIP sur le Tadorne:

Des Rencontres Photographiques d’Arles contrastées. 

Aux Rencontres Photographiques d’Arles, la ballade de la rupture. 

Aux Rencontres Photographiques d'Arles, Naoya Hatakeyama: pas vu, pas pris. 

Aux Rencontres Internationales de la Photographie d’Arles, on se bouscule pour Duane Michals. 

Sur la route des vacances, une halte aux RIP, comme on dit en Arles?

Paolo Nozolino

L'?il d'un certain Henri Cartier Bresson ? L'environnement y est beaucoup plus rude, plus métallique et ferré par sa contrainte sociale. L'espace d'une seconde, je retrouve la puissance du cliché Santa Clara pris en 1936 (photo de droite), où la force de l'image devient pieuse et biblique. C'est tout cela que l'on retrouve dans le travail de Paolo Nozolino. Et j'y ai cru à ce noir si noir, tellement sombre par le travail des nuances. A ces lignes acerbes et torturées, on se sent coupable de l'impuissance d'être sans pouvoir de changement. On croise alors l'enfer de la désolation si contemporaine de l'existence humaine. On tente modestement de s'inventer des couleurs pour lâcher les mots, ceux qui plaideront “non coupable” au verdict de Nozolino. Mais malgré la palette imaginée, on sort de l'exposition juste et vaincu par le cliché.

Martin Parr.                                                               

A chaque fois que l'on croise l'?il avisé de Martin Parr, revient éternellement la question : est-ce un montage ? Et force de constater qu'il a l'art de photographier, mais aussi d'être au bon moment, au bon endroit.

Du cliché absurde au fin, il présente ici la charge de la luxure, phénomène plus communément qualifié de « Bling bling »: de l'or en strass, pulsé de bulles de champagne. On idolâtre l'argent en l'étalant pour le faire exister. Le grotesque est la première mise. On adore renchérir. Plus on est riche, plus le burlesque nourrit. Plus on gagne, plus on joue. La réalité s'éloigne donc même pour celui qui regarde !

Au fur et à mesure que le photorama avance, on se sent comme adopté dans ce monde surfait de gens qui se veulent beaux, riches et passablement vivants. On ne rit pas, bien qu'au début l'envie d'exploser est là. À mesure que la photo défile, on réalise doucement la dérive du rien. Du clinquant, on glisse lentement dans l'horreur de n'être plus, malgré une apparence physique brillante. Il n'y a plus de pouvoir, car plus d'existence. Et la trace du vrai s'efface au profit de ce qui n'a jamais existé et ne le sera jamais, celui d'être simplement l'ombre de soi même.

Diane Fonsegrive – www.festivalier.net

Martin Parr et Paolo Nozolino sont exposés au Hall 15 ? ancien entrepôt sncf – ateliers des forges jusqu’au 13 septembre 2009.