Le Tadorne

Il y a de jolies coïncidences. Alors que la France entre petit à petit dans le chaos social et politique, Michel Kelemenis présente ce samedi 1^er avril à la Penne sur Huveaune (entre Aubagne et Marseille) ses « Aphorismes géométriques ». J’ai vu ce spectacle l’an dernier lors du feu « Danse à Aix » dans des conditions de confort difficiles.
La dernière création de Kelemenis est un chef d’œuvre et je m’interroge sur les raisons pour lesquelles ce spectacle tourne si peu en France. Samedi soir, annulez tout et plongez-vous dans l’univers de ce chorégraphe atypique, unique (réservation au 04 91 24 70 42).
Puisque l’heure est grave, cap sur la bande dessinée! Aix en Provence accueille actuellement les « Rencontres du 9^ème art », alors que la Marie Sarkosiste réduit l’art chorégraphique aux Ballets Preljocaj (il n’y aura pas de festival de danse cet été…un scandale). Parce qu’il est nécessaire de relier les disciplines,  Emilio Calcagno et Olivier Dubois (anciens danseurs des Ballets Preljocaj) proposent « En sourdine » les 30 et 31 mars à l’Amphithéâtre de la Verrière. Ils nous promettent une mise en scène de l’univers de Stéphane Blanquet, dessinateur. Cela pourrait nous faire du bien (réservation au  0811 020 111)

Et parce que plus rien ne sera comme avant, le talentueux Dominique A nous offre le plus bel album qui soit (« L’horizon »). Cet artiste est unique en France…il finira par rencontrer Michel Kelemenis.

L’horizon s’éclaircit ce matin pour Le Tadorne.

Restons groupés…Les porcs s’approchent du pouvoir…

Ps: Deux heures après l’écriture de cet article, je reçois dans ma boîte aux lettres "Aix en dialogue", journal de propagande de la Maire d’Aix en Provence. Elle y dresse son bilan à la culture. En photo de couverture, les Ballets Preljocaj.

Coup de bec du Tadorne à prévoir dans les prochains jours!

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Comment écrire sur l’ennui, le bâillement, les jambes lourdes?

« A posteriori » a donc fini par me donner la migraine. C’est un bavardage chorégraphique où la pièce fondatrice de Georges Appaix (« Antiquités »)  se mélange à une nouvelle création (« Posteriori »), toutes les deux basées sur le même thème. Vous suivez ? Moi pas, ou plus ! Est-ce à dire que Georges Appaix répète un peu la même chose, se perd , n’arrive plus à relier la danse, le théâtre, les vers d’Homère et le reste ! Pendant plus d’une heure, je subis cette pièce ; le lien ne se fait pas même si je souris à quelques clins d’œil. Pour le reste, la compagnie regarde son passé, nous sort ses vieilleries et semble s’en amuser. Pourtant, ces cinq personnages pourraient paraître attachants avec leurs histoires  atypiques, mais la mise en scène, la chorégraphie, empêchent toute possibilité de reliance. Tout est coupé, morcelé, dans une sorte de logorrhée verbale insupportable. Ce n’est ni beau à voir, ni beau à entendre. A vrai dire, je me sens progressivement exclu de ce nombrilisme enfermant.
Les applaudissements sont polis car Georges Appaix ne bouleverse rien. Que le bavardage produise du non-sens, que le présent interprété à partir du passé ne soit pas porteur d’avenir, je ne l’ai pas attendu pour le savoir! Après tout, cette compagnie me paraît un peu jeune (1985) pour demander son classement comme monument historique!
La distribution à la sortie du spectacle d’un petit livret sur "a posteriori"  donné comme un échantillon de lessive en dit long sur la perte de sens et de créativité de certains chorégraphes.
J’imaginais la "Friche Belle de Mai" à Marseille un peu plus subversive…

Voir également l’article de "Clochettes"

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Il faut nous voir tous les trois, Anne-Laure, Marie-José et moi-même quitter le Théâtre de Cavaillon après les deux chorégraphies de Russell Maliphant, « Transmission » et « Push ». Quelque chose vient de nous arriver, comme un moment de grâce qui suspend, rend heureux, et fait de nous des spectateurs plus en lien que jamais.
Tout a commencé après le rituel du Directeur.
« Transmission » (titre si cher au festival « Les Hivernales » d'Avignon) voit quatre danseuses se métamorphoser sous nos yeux. On ne sait plus très bien qui fait corps : la lumière ou l'artiste ? Les deux s'articulent et donnent à ce quatuor des formes inédites. Le plus merveilleux dans ce spectacle est de ressentir le processus de transmission entre ces 4 danseuses et nous. Maliphant nous englobe. Mais il ne chorégraphie pas la fusion comme pourrait le laisser croire certains passages mais la transmission transversale. 35 minutes de bonheur!
L'entracte de 20 minutes me permet de remettre en mouvement mon corps maltraité par les sièges du Théâtre et de déambuler au milieu de ce public chaleureux (il recevra bientôt une palme du Tadorne !).
« Push » débute. Alexander Varona et Julie Guibert sont sur scène. La lumière s'allume puis s'éteint. Elle sur lui, lui pour elle. Différents tableaux alternent. Puis, lentement, « Push » dévoile le jeu, le lien. Dansent-ils l'amour ? Oui. Assurément. Que peuvent-ils danser d'autre pour que l'émotion me submerge ? Tout est fluide, les corps coulent, me touchent. L'espace scénique est peu utilisé comme si Maliphant choisissait un autre espace, celui de la relation. C'est d'autant plus magnifique que les escalades du départ (c'est vraiment le cas de le dire?) deviennent mouvements circulaires, attachements, détachements, relliance.  Comme pour « Icare » de Claude Brumachon présenté aux Hivernales en février dernier, je suis sidéré par cette danse porteuse d'un nouveau langage.
Russel Maliphant cohabite dorénavant avec “Icare” dans la mémoire du Tadorne. Les liens se complexifient…La danse est décidement un art majeur.

A lire, “l’After / Before” du spectacle!

Les dates de la tournée.

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La pièce va commencer. Annette Breuil (Directrice du Théâtre des Salins de Martigues) et Catherine Marnas (metteuse en scène) prennent le micro et exposent leurs préoccupations sur les négociations en cours avec le MEDEF au sujet du protocole de l’assurance chômage des intermittents. L’inquiétude est lisible sur le visage de ces deux femmes engagées dans la création théâtrale. Les applaudissements sont nourris et le contexte est posé : « Sainte Jeanne des Abattoirs » de Bertolt Brecht est toujours d’actualité…

Cette œuvre retrace le contexte économique d’un abattoir de Chicago au cœur de la crise de 1929. Nous assistons aux spéculations boursières du riche patron Mauler flanqué de son courtier et soutenu par l’église, pour qui la multiplication des pauvres légitime l’appel à Dieu. J’assiste pendant 2h15 à la charge féroce de Brecht contre un système qui traite la main d’œuvre comme de la viande. Le texte est loin d’être léger : les mots pèsent comme pour mieux accentuer la perversité sans fin du système capitaliste.
A l’image du décor, Catherine Marnas a vu les choses en grand  : longue passerelle métallique qui cisaille la vue, imposantes lames de plastique d’une chambre froide qui permettent d’apercevoir en fond les ouvriers maltraités. Sur scène, comédiens professionnels et amateurs forment un collectif impressionnant. Des micros pendent ici et là, accentuent le bruit de la colère et permettent aux spéculateurs de mieux se faire entendre.
Comme une musique grave que l’on me ferait écouter avec un son poussé au maximum, je quitte le Théâtre des Salins migraineux, sonné. Catherine Marnas, loin d’alléger et de fluidifier le texte de Brecht, charge le propos. Il y a trop de cette musique répétitive qui rend inaudible le texte, trop de scènes d’hystérie. Il y a trop de caricatures de la caricature, trop d’effets de scène empruntés aux comédies musicales, trop de comédiens sur scène, trop de ces sacs plastiques volant censés tomber comme la neige ! Tout me semble démesuré pour ces comédiens qui peinent à porter leur personnage (à l’exception notable de Guillaume Clausse, magnifique). D’ailleurs, Catherine Marnas n’élude pas le problème ! Le narrateur (et oui, parce qu’il faut bien nous guider dans ce fatras) signifie aux comédiens qu’il est temps d’écourter le jeu et d’être plus clair dans le propos. Apparaît alors une pièce dans la pièce… !
A ce rythme là, la mise en scène épuise l’œuvre de Brecht. Les cercles concentriques voulus par Catherine Marnas se juxtaposent et donnent à l’ensemble une lourdeur, à l’image d’un bœuf que l’on traînerait à l’abattoir ! Quelques beaux moments m’aident à sortir de ma torpeur (notamment les rencontres entre Jeanne et Mauler) mais l’ennui me gagne…La colère de Catherine Marnas contre le capitalisme alourdit le jeu et m’éloigne des comédiens.
Le contexte de création de cette pièce la sauve. En effet, les comédiens amateurs sont issues des villes où « Sainte Jeanne » tourne : Gap, Martigues, Cavaillon Cannes. On ressent l’engagement de ces amateurs et c’est peut-être de cela qu’il s’agit ! S’engager…pour résister. Cette troupe, c’est du lien social au cœur des territoires et cela se voit. C’est une réponse à la brutalité d’un capitalisme qui ne connaît que fusions, spéculations et précarité à l’image d’un gouvernement Villepin qui conduit le pays vers le chaos social. A sa façon, Catherine Marnas donne au MEDEF, au Gouvernement et aux citoyens une réponse : publics et comédiens peuvent se relier et faire du bruit jusqu’au…vacarme. Il n’y a pas d’un côté le public et de l’autre la précarité des intermittents. Tout cela forme un tout.

Oreilles sensibles d’abstenir…

“L’histoire de Ronald, le clown de Mc Donald’s” de Rodrigo Garcia fait une halte au Théâtre du Merlan à Marseille les 3,4,5, et 6 mai 2006. Ce spectacle avait fait scandale au Festival d’Avignon en 2004. Je me souviens avoir été choqué. Je n’etais pas prêt ce soir là pour accepter ce déferlement de violence. 2 ans après, il en serait peut-être autrement. En 2005, Garcia a fait une halte au KustenFestival des Arts de Bruxelles. Mon amie Peggy y etait. Je la remercie de m’envoyer ce qu’elle avait écrit à l’époque.
Réservation indispensable au 04 95 04 95 70 et commentaires appréciés dès le 4 mai!

Dur dur de comprendre ce qui bouleverse tant dans “la Historia de ronald el payaso de Macdonals”. Le show est une épreuve pour le spectateur qui, perdu dans un malstrom de marques, références à des périodes peu glorieuses de l'histoire de l'humanité et autres dénonciations de la dictature McDo, suit tant bien que mal ces trois jeunes dont la performance est étourdissante.
Rodrigo Garcia exploite à merveille la bonhomie des trois garçons dont les considérations ne volent guèrent plus haut que pipi-caca et dont on voit soudain les corps pliés et meurtris par la tyrannie de la mal bouffe. Certaines images sont extrêmement dures ou très vulgaires. On spéculera notamment sur l'utilité de cette scène où la nudité des acteurs est d'autant plus dérangeante que tout deux miment dans de grands éclats de rire une scène ultra obscène. La violence est omniprésente, servie à satiété par ce contraste entre les envolées tordantes des protagonistes et, une fois les masques tombés, des images d'orgies et d'apocalypse.
Rodrigo Garcia balance sa critique de la société McDo sans trop l'organiser. Il n'empêche que l'émotion ressentie est forte, le spectateur tombe sous le charme des trois jeunes, qui portent avec brio ces deux heures de diatribe, et quitte la salle en contemplant une scène aux effluves nauséabondes parce que jonchée de bouffe.

Perso, j'ai adoré.