Ci-dessous, une troisième sélection d’articles du Festival d’Avignon 2006. Pour voir les photos et l’article en taille normale, cliquez sur le titre.

 

Au Festival d’Avignon, « Asobu » de Josef Nadj m’a perdu.

J’attendais ce rendez-vous depuis si longtemps. L’univers du chorégraphe Josef Nadj fut une découverte il y a quelques années au Festival d’Avignon. L’an dernier, « Last Lanscape » et « Comédia tempo » m’avaient transporté dans un autre monde. Il a le talent incroyable de déconstruire pour reconstruire une nouvelle réalité.
« Asobu » au Palais des Papes est donc l’un des événements de la 60ème édition du Festival d’Avignon.
À la sortie, je suis vide. Rien ne vient, aucune image en particulier. Je suis perdu, bloqué. Que s’est-il donc passé ?
En arrivant au Palais des Papes, je ne suis pas encore entré dans le Festival. Je sors de « La poursuite du vent » déboussolé ; je suis dans l’entre-deux : entre la fin du Festival « Montpellier Danse » et l’univers du théâtre. Je flotte et « Asobu » me coule…
Je suis au 5e rang ; sur la gauche. De biais. Je suis décentré, c’est le cas de le dire. Je perçois donc l’envers du décor. De l’imaginaire de Nadj, je ne vois que le réel pendant plus d’une heure (les danseurs qui se changent, qui préparent leur « coup », …). Je cherche les enchaînements. Je veux comprendre l’univers d’Henri Michaux, poète inconnu pour moi, à qui est dédié le spectacle. En vain. Je cherche à décoder le langage métaphorique de Nadj ! Un comble alors que je suis capable de me laisser transporter dans des univers bien plus conceptuels ! Je vois un groupe se créer devant moi, où se croisent les arts, l’Occident et le Japon, l’individu et le collectif. Je ne suis pas du voyage. L’immensité de la Cour d’Honneur m’écrase, moi qui suis plus habitué à voir Nadj dans l’intimité des lieux. Je me sens collé au réel. Comme le souligne fort justement René Solis dans sa critique du spectacle pour Libération : « On ne s’y perd pas, dès lors que l’on accepte de ne pas s’y reconnaître. Le titre signifie «jeu» en japonais ; un jeu du labyrinthe si l’on veut, où le besoin de trouver la sortie devient vite secondaire, tant la curiosité s’y conjugue au présent. »
Tout est dit.
« Je suis passé à côté » devient mon leitmotif.
Et si Nadj m’avait perdu ? Certes, mais je me sens bien seul dans le concert de louanges des critiques et du public.
 Alors ?
Alors, rien.
Voilà, c’est dit.
Écrit.
A digérer.

Au Festival d’Avignon, « Mnemopark » devrait inquiéter…

Derrière ce titre, une inquiétude, des questionnements, une réflexion. Existe-t-il beaucoup d’œuvres qui autorisent une telle cogitation ? Cela dit, « Mnemoark » du Suisse Stefan Kaegi n’est pas  la « révélation » du Festival, comme le laisse entendre la rumeur. Il faudrait pour cela que l’art transcende les clivages. C’est loin d’être le cas avec cette oeuvre réductrice.
Ils sont cinq, âgés de plus de soixante ans, passionnés de modélisme. Ils ont reproduit la ligne de chemin de fer de leur canton, en Suisse. Ils sont accompagnés d’une comédienne et d’un autre passionné, français celui-là, originaire d’Avignon. Ils nous proposent pendant plus d’une heure trente un voyage dans leur région, à l’heure de la mondialisation. J’ai parfois l’impression d’assister à un film documentaire (le petit train dispose d’une minuscule caméra, les passionnés n’hésitent pas à prendre le caméscope pour nous offrir sur un écran géant des panoramas saisissants !). La comédienne, avec son sifflet, est la chef de gare. Elle ordonne les arrêts et les départs pour permettre à chaque passionné d’expliquer, à leur échelle (réduite), les effets de la mondialisation. Si la France s’inquiète de la Chine et des musulmans, la Suisse est préoccupée par l’Inde qui déstabilise tout à la fois le marché de la viande bovine et la culture en imposant ses choix cinématographiques bolywoodiens ! Parfois, avec la comédienne, nos amis modélistes s’amusent à un jeu : celui qui gagne a le droit de revenir dans le temps et d’être un personnage de modèle réduit.

Avec mes yeux de professionnel
, je reconnais dans ce dispositif la notion d’objet flottant développé par le psychiatre Philippe Caillé à travers l’outil du « jeu de l’oie » qui permet d’aider les familles et les équipes à sortir des situations bloquées :« Les "objets flottants" développés par Philippe CAILLÉ et Yveline Rey consistent en stratégies, techniques, outils qui, au sein de la relation d’aide, favorisent l’établissement d’une zone neutre. Cet espace intermédiaire de liberté garantit la possibilité d’un dialogue innovant. Le jeu de l’oie systémique est un des "objets flottants" médiateur de la communication. Il dérive du jeu de l’oie traditionnel mais n’en conserve que l’idée d’un parcours semé d’embûches, matérialisé par un tableau très simplifié ». « Mnemopark » est donc un jeu de l’oie avec ses cases (les arrêts des gares) et médiatise la communication entre les personnes âgées, leur région, la globalisation et les spectateurs. « Ce parcours, qui se déploie dans plusieurs directions, permet à la fois de réinformer les consultants ( couple, famille, institution…) sur eux-mêmes et de complexifier la vision parfois réductrice de l’intervenant sur le problème. En substance, ce jeu de l’oie (Loi) systémique aboutit à une "co-construction" qui favorise un élargissement du champ. En " dépliant" les strates successives de la structure qui relie les événements historiques, les valeurs, les sentiments et les jeux interactionnels de l’ici et maintenant, il contribue à modifier les regards et en conséquence les attitudes de chacun. ». Stefan Kaegi sait-il qu’il a transposé le « jeu de l’oie » sur la scène? Quand « Mnemopark » prend cette dimension thérapeutique, l’émotion est palpable surtout lors du jeu où les passionnés remontent leur passé. Mais cette dimension est noyée dans le dispositif, dans le jeu du jeu.
Avec mes yeux d’occidental
curieux de tout, ouvert aux articulations complexes, la vision de la globalisation à travers ces personnes âgées est passéiste, égocentrique. Elles sont ridicules à s’amuser ainsi devant nous et le public l’est tout autant d’assister à ce petit jeu. Il n’hésite d’ailleurs pas à se marrer lorsque le provençal prend la parole. On rit de lui comme s’il était une bête de foire. Je me surprends à me moquer d’eux. J’ai honte.
Avec un regard d’indien
, cette pièce est raciste. Elle ridiculise leur culture, positionne l’étranger comme un terroriste qui fait exploser les gares Suisses (si, si je vous assure…c’est le même amalgame que musulman = poseur de bombe). Surtout, elle voit l’Inde comme un peuple sous-développé qui envahit la Suisse avec ses tournages de films depuis qu’elle est en guerre avec le Cachemire. Que n’aurait-on pas dit et écrit si des passionnés de modélisme étaient de la  Creuse ? Mais voilà, la Suisse n’est pas dans l’Europe…
Finalement, aucune vision ne me satisfait, que je sois occidental ou indien. « Mnemopark » pour expliquer la mondialisation à l’échelle du territoire, se base sur un modèle binaire. L’utilisation du modèle réduit aurait pu faciliter une méta – vision. On ne me propose qu’une vision réductrice, collée à la voie de chemin de fer. Stephan Kaegi ne voit pas la mondialisation comme un processus qui ouvre, diffuse la démocratie,  crée ce qui n’existe pas encore,  réduit ce qui perd du sens, menace en l’absence de projet global. Si tel était le cas, il aurait conçu une œuvre d’art profondément innovante qui transcende les clivages, loin des idéologies. En se calquant sur les théories de José Bové (cité à plusieurs reprises), il charme le public français qui pousse rarement la réflexion plus loin que son pré-carré, vote « non » à la constitution, facilite Le Pen au deuxième tour d’une élection présidentielle et se prépare de nouveau à voter pour des can
didats contestataires. 

« Mnemopark » révèle notre réduction. J
e tente d’ouvrir en écrivant ce modeste papier. C’est ma seule réponse pour refuser que l’on transforme la scène de théâtre en modèle réduit. J’ai tant besoin d’ouverture…

Au Festival d’Avignon, le fantôme d’Isabella ressuscite Claire Goll dans «La poursuite du vent».

Ce samedi 8 juillet à 18h au Théâtre Municipal d’Avignon, je débute mon périple festivalier avec émotion, mais aussi avec une certaine appréhension : « Vais-je tenir la distance ? ». Pour me rassurer, j’ai rendez-vous avec Viviane de Muynck. J’ai souvent fait référence à « La chambre d’Isabella » sur ce blog ici et . Elle nous a manqué l’an dernier et ce n’est pas sa courte apparition en 2005 dans « Needlapb 10 » du metteur en scène flamand Jan Lauwers qui a pu calmer l’attente. Car Viviane De Muynck est une actrice exceptionnelle, au parcours atypique (elle était secrétaire de direction avant de tout lâcher pour devenir comédienne). Elle a bouleversé de nombreux spectateurs en incarnant Isabella, 104 ans, aveugle et pleine d’énergie
En solo, elle signe son retour en Avignon avec « La poursuite du vent ». Elle incarne Claire Goll. Née en 1910, après une enfance difficile, elle s’installe à Zurich où elle fréquente le mouvement pacifiste et les dadaïstes. C’est en 1917 qu’elle rencontre le poète français Yvan Goll et se lie aux artistes cubistes et surréalistes. Avec son mari, ils composent des recueils de poésie. Après son décès, Claire Goll poursuit son œuvre littéraire et publie en 1976 ses mémoires (« La poursuite du vent »). La révélation de ses amitiés, mais surtout de ses inimitiés choque et suscite la polémique.
C’est donc une femme à la vie chaotique qui se présente à nous. Avec Claire Goll, je parcours cette période créative où Picasso côtoie Malraux, où le dadaïsme traverse les arts. J’apprends la relation fusionnelle qu’elle entretient avec son mari. Mais surtout ses jugements à l’emporte-pièce ponctuent de nombreuses anecdotes sur les amis et ennemis qui fréquentent le couple. La mise en scène de Jan Lauwers joue sur l’ambiguïté. Ce n’est pas Isabella qui interprète Claire Goll. En effet, tout oppose les deux pièces : collectif contre solo, objets omniprésents sur le plateau de « La chambre d’Isabella », plateau dépouillé ici ; danse et théâtre en 2004, texte seul ici. Toutefois, l’histoire de Claire Goll est vue avec les yeux d’Isabella : empathie dans la mise en scène, jeu charismatique de Viviane De Muynck pour incarner Claire Goll, regard distancié porté sur sa vie et magnifique jeu de lumière. Mais à mesure que la pièce avance, je m’ennuie (à l’exception de la dernière scène où Claire Goll pleure son mari et qui sort le public de sa torpeur). J’attends Viviane De Muynck là où elle ne peut plus aller, mais elle ne va pas là où j’attends qu’elle me surprenne (vous suivez ?!). Jan Lauwers a donc pris peu de risques comme s’il hésitait à exposer Viviane de Muynck après le phénoménal succès de « La chambre d’Isabella ».
En quittant le théâtre, je ressens de la tristesse : l’histoire de Claire Goll m’a peu touché et j’ai perdu Isabella. Cela n’est pas sans résonance. Comme quoi, le théâtre entremêle les  histoires et tisse entre spectateurs et comédiens des liens indestructibles.

Au Festival d’Avignon, « Battuta » de Bartabas tourne joyeusement en rond.

En 2003 au Festival d’Avignon, Bartabas avait choqué de nombreux professionnels et spectateurs au sujet de la crise des intermittents. Replié dans son Théâtre Équestre, il était apparu méprisant, autoritaire et loin des réalités économiques et sociales. Sa création d’alors « Loungta, les chevaux de vent » ne fut jamais montrée. J’en garde envers l’homme un ressentiment. Seul l’artiste peut me faire oublier ses paroles.

Trois ans plus tard, je me rends au Domaine de Roberty, près d’Avignon, pour « Battuta » . Le chapiteau est bondé ; le public survolté applaudit à tout rompre. Le dispositif scénique est de toute beauté : au centre, un puits de lumière d’eau descend. Sur chaque côté de la piste, un orchestre : l’un joue une musique classique, presque mélancolique ; l’autre est une fanfare venue de Moldavie. Pendant tout le spectacle, ils se répondent comme dans un dialogue où le blanc et le noir, la vie et la mort s’affronteraient!  Bartabas nous invite au voyage: une population nomade va d’un territoire à l’autre. Elle emmène avec elle roulottes, chevaux et des familles en complète recomposition. Le mariage modifie les équilibres et nous voyons sous nos yeux comment les liens entre individus peuvent changer la donne. J’assiste à une course poursuite entre le père, ses amis et l’homme qui épouse sa fille.
Finalement, tout le monde se court après ! Je souris à certaines scènes (le défilé de quinze roulottes, toutes extravagantes les unes des autres), alors que certaines sont déplacées (le nomade qui vole le sac d’une femme, les jeux virils des hommes). Je m’interroge sur l’omniprésence des policiers sur scène (message subliminal pour soutenir la politique de Sarkosy envers ces populations?).
Malgré tout, je finis par m’ennuyer de ce jeu répétitif. Il n’y a aucun temps mort pour respirer comme si Bartabas évitait le sens. Que veut-il nous dire ? Où est la réflexion que procurent la plupart du temps ses œuvres ? Bartabas plonge dans le divertissement le plus total alors qu’il est programmé dans un Festival de création. Je ne doute pas qu’il assure la billetterie, mais cela justifie-t-il tout ? Se poser la question du sens n’empêche pas le divertissement. Bartabas en fait l’économie dans un département, le Vaucluse, qui rejette massivement les populations nomades, vote à 40 % pour le Front National. Je sais, j’extrapole, j’en fais un peu trop, …Mais ce serait tout de même intéressant d’interpeller Bartabas, lui qui ne s’est pas gêné il y a trois ans de donner des leçons de théâtre et de démocratie…

Au Festival d’Avignon, Thierry Baë vend son journal avec moins d’inquiétude.

J’ai vu « Journal d’inquiétude » de Thierry Baë lors de l’édition 2005 du Festival « Danse à Aix » disparu depuis. Je n’avais pas aimé ce spectacle dans un contexte de repli du festival sur lui-même. La suite des événements m’a donné raison. Avec un peu de recul et dans le contexte d’Avignon, je serais moins sévère même si le côté nombriliste de l’œuvre continuerait sûrement  à m’agacer. Ci-dessous, ma critique de l’époque…

 « Thierry Baë arrive sur la scène du 3bisF, lieu de création artistique attaché au Centre Hospitalier psychiatrique de Montperrin d’Aix en Provence. C’est un homme de 46 ans, au beau parcours de danseur (je l’avais remarqué dans « Les Philosophes » de Joseph Nadj en Avignon il y a quelques années). Il a un micro caché dans les cheveux (décidément, les artistes y succombent tous…). Sa voix dicte ses mouvements de danse. L’exercice dure (péniblement…) vingt minutes. On saura plus tard qu’il est atteint d’une maladie pulmonaire qui l’empêche de faire de gros efforts.
Un film est projeté durant trente minutes. Outre que l’intérêt artistique laisse à désirer, j’assiste médusé  au processus de création de l’œuvre présentée ce soir. Tout commence par une rencontre avec Patrice Poyet, Directeur du Festival « Danse à Aix », à qui Baë promet la présence de Mathilde Monnier et de Joseph Nadj dans ce prochain spectacle. Poyet n’en revient pas (le succès est assuré), prêt à signer le contrat. Il s’ensuit  des rencontres ratées avec Nadj, Monnier et d’autres danseurs. C’est le film d’un naufrage annoncé. A la fin de la projection du film, nous voyons apparaître sur scène le magnifique Joseph Nadj qui reproduit, sous les indications de Baë, la chorégraphie du départ, la grâce et le talent en plus. Malaise… J’assiste en direct au suicide professionnel de Baë (NDLR : La tournée du spectacle et sa présence au Festival d’Avignon me donneront tort !)
C’est un spectacle chorégraphique où l’on m’impose trente minutes de film ; où le directeur du Festival "Danse à Aix" est un des acteurs principaux ; où un danseur en fin de carrière se fait voler la vedette par son mentor, valeur sûre pour tout programmateur  (d’ailleurs, Nadj sera lui même directeur associé de la prochaine édition du Festival d’Avignon en 2006…La boucle est bouclée).
Il aurait été sûrement plus risqué pour Baë de transmettre à un jeune danseur ; d’éviter dans la dernière partie d’accompagner le geste à la parole (ou inversement!); de nous montrer à travers la danse un processus de création  (et non à partir d’un film). Au lieu de cela, j’ai l’étrange sensation de connivence, d’un monde fermé, impitoyable, qui se regarde fonctionner. Quant à moi, j’observe ce joli petit monde avec dépit  et amusement en attendant d’autres propositions qui, je le sais, ne manquent pas d’audace dans l’univers de la danse".

1ère photo: Eric Boudet, magnifique chorégraphe de danse.
2ème photo: Christophe Raynaud de Lage.

Au Festival d’Avignon, Michel Laubu ne compte que 4 habitants.

Le thème du voyage, de l’imaginaire est au cœur de cette 60e édition du Festival. Joseph Nadj n’a pas pu me faire décoller avec le trop hermétique «Asobu ». Malgré le souffle de ses machines, François Verret, ne m’a pas donné le billet aller pour « Sans retour » (il fallait bien que je case ce jeu de mots facile !).
Michel Laubu et son « Turak Théâtre » n’ont pas mieux réussi avec « Depuis hier. 4 habitants ». Pourtant, le lieu s’y prête. Nous ne sommes qu’à quelques mètres de la Maison Jean Vilar et du Palais des Papes, dans ce si joli jardin de la rue de Mons. Une centaine de spectateurs prend place face à ce dispositif scénique pour le moins original. C’est un petit espace fait d’objet de récupération. En attendant l’arrivée des comédiens, des violons mécaniques jouent de la musique et des vieilles machines à café envoient de la vapeur. Ils arrivent à trois pour faire fonctionner ce bric-à-brac. À chaque extrémité du dispositif, deux se positionnent dans des petites cahutes en bois tandis que Michel Laubu, le marionnettiste, est au centre. Il a ramené des matériaux après un voyage en kayak sur la Durance dont du bois patiné par l’érosion des courants. « Depuis hier. 4 habitants » est une galerie de quatre portraits avec un questionnement pour le moins complexe : « Sommes-nous au même moment dans quatre endroits du monde ?  Sommes-nous au même moment dans quatre endroits du monde ? Sommes-nous au même endroit à quatre instants différents ou avec le même individu à quatre moments de sa vie ? ».
Le résultat de ce questionnement est mitigé. Michel Laubu brouille les repères narratifs pour nous inviter à construire notre histoire alors que les objets sont omniprésents. Ils n’ont pas le pouvoir de me déconstruire: ils sont instrumentalisés et une technique linéaire régit leurs attitudes. Tout est trop bien huilé. Même si je ris à certaines scènes, je reste collé à cette mécanique. Je m’étonne même de ne rien ressentir comme si mon rire répondait aux rouages parfaits de l’objet. Seul un comédien peut réussir ce tour de force de m’emmener loin des sphères du réel.
J’ai passé un agréable moment, mais « Depuis hier. 4 habitants » sera vite oublié par le temps qui passe. Il n’y a plus qu’à souhaiter que le dispositif scénique devienne objet de récupération. Dans les mains des comédiens, il sera patiné et posé sur la scène comme  élément de décor d’une pièce d’Eric Lacascade!

Au Festival d’Avignon, Fréderic Fisbach rend les « Gens de Séoul » ennuyeux.

Ce dimanche après-midi, la température est devenue folle sur Avignon (39°). Je lis sur le visage des festivaliers la fatigue liée à cette canicule historique. Dans ce contexte, « Gens de Séoul » tombe très mal. C’est une pièce japonaise d’Oriza Hirata, surtitrée et mise en scène par Frédéric Fisbach.
Sur une petite scène, en dispositif bi-frontal, seize comédiens jouent la vie d’une famille japonaise installée en Corée. Nous sommes en 1909 et la ville de Séoul s’apprête à être totalement annexée par le Japon. On se croirait dans un salon de thé où l’on reçoit à intervalles réguliers des visiteurs.  L’observation de cette famille aurait pu nous faire ressentir ce contexte, et le processus complexe de la colonisation. Or, à mesure que les deux heures du spectacle s’écoulent, le public sombre dans la torpeur. Rien n’est fait pour l’aider à saisir la finesse de cette écriture. La scène est beaucoup trop réduite: elle concentre sur quelques mètres, le jeu relationnel de cette famille en proie à des conflits les plus souvent insidieux. Cela demande une attention constante, perturbée par la lecture en continu des surtitrages.
Pour compliquer définitivement le tout, Frédéric Fisbach nous donne à voir un jeu dans la pièce. Tous les protagonistes qui ne jouent pas circulent autour de la scène, élaborent des affiches qu’ils placardent contre les murs latéraux. Des images vidéo se projettent sur ces dessins. Il se joue donc quelque chose que le texte ne dit pas. La multiplication des points de vue finit par épuiser le spectateur. Je n’arrive plus à relier et je m’agace de ces mouvements ampoulés, rigides. Fréderic Fisbach sous-estime les effets d’une telle mise en scène sur le public. Je souris a à la lecture d’une interview pour le Festival d’Avignon : « Je m’appuie beaucoup sur son écriture (celle d’Oriza Hirata, NDLR) , mais je cherche à la pousser à bout en la plaçant dans un système qui ne lui ai pas adapté. C’est une façon de la tordre un peu. ». A ce niveau de suffisance, le public japonais finit par partir au bout d’une heure.
Quant au public français, il aura l’honneur de retrouver Frédéric Fisbach comme Directeur associé du Festival en 2007. Nous n’avons pas fini de nous tordre le cou.


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