Le Tadorne

Ils sont quatre, deux hommes, deux femmes, habillés comme vous et moi. Ils nous ressembleraient avec leurs habits noirs, leur regard vague et leur démarche pesante. Seraient-ils à la recherche du sens? Leur voix, monocorde, ennuie. Seraient-ils nos contemporains?
À la mort de leur ami peintre, ils décident de faire le voyage, en mer, pour ramener son modèle: une jeune femme silencieuse. Les voilà qui débarquent sur une île, tels des naufragés où ils font d'étranges rencontres: l'adolescente et sa mère, le fou, le soldat, le vieil homme, le kamikaze, pour ne citer que ceux qui habitent ma mémoire.  La scène est dépouillée ; ils ont deux heures pour nous inviter à faire le voyage, pour franchir la ligne qui sépare notre vision linéaire de l'existence et celle qu'ils nous proposent, plus complexe. C'est ainsi que je vais vivre, avec eux, un aller-retour permanent entre notre continent où la guerre pour survivre fait rage et l'île de notre inconscient (ce), où l'on peut regarder sa vie en face, de biais, d'un arbre, d'un rocher, d'un livre composé de toutes les lettres restées sans réponse.
Il faut tout le talent du metteur en scène François Cervantes et de sa troupe (impressionnante Catherine Germain) pour nous aider à lâcher, à faire le voyage dans ce théâtre d'ombres et de lumières, de visages et de masques. Magnifique ?entreprise? qui consiste à nous parler d'amour avec les masques d'une telle sincérité, modelés par nos rêves d'enfants, nos désirs d'adolescent, nos peurs de mourir, et nos fantasmes guerriers. En s'affranchissant magnifiquement des frontières entre la vie et la mort, François Cervantes répare quelque chose en nous: cette île devient progressivement la nôtre où les lumières et les morts-vivants s'allument pour s'éteindre comme dans un rêve éveillé où nous plongeons dans le bleu turquoise d'un morceau de tissu et nous y noyer. Malgré tout, j'aurais aimé que les comédiens sans masques ne soient pas aussi détachés (intention de l'auteur ou faiblesse du texte?) pour me rassurer, me guider un peu plus.
?L'île?, c'est de l'humanité, une douce folie, une invitation à penser joliment à sa propre mort.
?L'île? est un petit bijou théâtral, très fragile. Préservons là des vents contraires qui pourraient nous empêcher d'y accoster. Ils sont particulièrement turbulents en ce moment.

??????  ?Une île”, texte et mise en scène par François Cervantes a été joué le 5 mars 2008 à la Friche Belle de Mai. A voir jusqu’au 15 mars 2008.

Aurore est une jeune spectatrice. Tout au long de ?la saveur de l'autre? de Philippe Jamet au Théâtre du Merlan de Marseille, elle tousse. Bruyament. Aurore est malade et nous ne pouvons rien faire pour elle. Elle ne me gêne pas comme si le dispositif de Philippe Jamet dans le hall du théâtre m'avait aidé à accepter cette différence de ton… À notre arrivée à 19h30, différentes installations vidéos nous accueillent ; créées à partir d'actes quotidiens (pleurer, sauter, s'endormir, caresser, ?), ces émotions constituent un joli itinéraire, patchwork de que nous sommes capables de faire en dehors de consommer (Carrefour est à l'étage supérieur du Théâtre!). Cette mise à distance prépare la dégustation des huîtres au bar du Merlan.
À 20h45, l'oeuvre de Philippe Jamet se poursuit par un film. Enfants et personnes âgées dissertent sur la vie et la disparition. C'est magnifique, subtil, intelligent, restitué avec tact et bonne distance de la caméra. Quinze minutes suspendues. Le spectacle est là. Entre douceur, caresses, sens, saveurs marines et processus vitaux, tout aurait pu s'arrêter à ce moment précis où deux hommes arrivent sur scène. Ils se prennent la main face à nous, laissent une empreinte et s'éclipsent. Leurs corps ne peuvent aller plus loin. Folle envie d'applaudir.
Seulement, voilà, Philippe Jamet continue. Six danseurs (trois hommes, trois femmes) vont mettre en mouvement ce que nous avons vu précédemment depuis notre arrivée au théâtre. Rien ne se passe. Tout se conceptualise et se complique. Ils bougent, mais je ne perçois pas la dynamique du lien, du sens. C'est trop tard. Que peut apporter le corps après ces instants vidéo, si ce n'est d'illustrer? Que peut faire la danse de la parole de ce vieux monsieur qui, droit dans les yeux, nous affirme: ?la culture commune c'est le vivre ensemble?.
La danse n'est pas l'art de l'illustration, encore moins de l'explication. Elle n'est pas dans la sphère du réel. Philippe Jamet s'est trompé en voulant additionner les angles de vues. Cela ne peut pas faire sens, en tout cas pas dans cette linéarité-là. La part intime de chacun de nous peut se traduire par l'image, mais ne trouve, par la suite, aucun prolongement dans le corps. Ce n'est pas le même langage d'où la difficulté pour beaucoup de chorégraphes à articuler danse et vidéo.
Est-ce cela qui provoque la toux d'Aurore dès que les danseurs entrent sur scène? Est-ce pour cette raison que Philippe Jamet lui passe un savon à la sortie (?vous auriez pu sortir! ? ? Vous avez gâché la soirée?). En assistant à la scène, ?La saveur de l'autre? prend un drôle de goût, celle d’une toux partagée.  L'incohérence du spectacle est à chercher dans cet instant final, bien réel celui-là.

Pascal Bély
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?????? « La saveur de l’autre» de Philippe Jamet a été joué le 1er mars 2008 au Théâtre du Merlan de Marseille.

Que va-t-il encore ce jouer ce soir? Après ?26000 couverts? puis ?Slogans?, je redoute que le public soit une nouvelle fois mis en situation d'incompétence. Je pars au Théâtre de Cavaillon à reculons. C'est étrange au moment où Ariane Mnouchkine demande aux citoyens de s'exprimer sur ce qu'ils attendent des artistes. Elle est au demeurant la seule à nous questionner. Cette femme est belle, profondément généreuse quand elle nous parle ainsi. ?Les éphémères?, son merveilleux spectacle, se poursuit dans la sphère publique. On est loin du ton employé par Jean Lambert-Wild venu témoigner, avant la représentation, sur la journée de mobilisation des acteurs de la culture. Avec lui, nous apprenons que nous sommes ?subventionnés? quand il annonce le prix de vente du texte sur la pièce de ce soir (1?) et le tarif modeste des places à Cavaillon. Il faut un sacré culot pour changer les prémices de cette façon. Il doit y avoir un désir inconscient de prendre le pouvoir sur le public pour réduire un lien aussi complexe! La soirée avait déjà mal commencé dans le hall alors qu’un salarié du théâtre me demandait mon numéro de portable pour être utilisé lors du spectacle. J'ai refusé. J'ai craint la manipulation.
?Le malheur de Job?, mise en scène par Jean Lambert Wild est pensé comme un maillage entre le livre de Job (pour les athées irréductibles comme moi, prière de lire ceci!), un clown qui se métamorphose en slameur, un jongleur, une musique électronique et un système de communication par SMS vers le téléphone portable des spectateurs. Le tout est d'une pauvreté artistique déconcertante et d'une intentionnalité déroutante. Le slameur, DGIZ, figure contemporaine de Job et de ses malheurs, déclame un texte peu à peu incompréhensible. La musique de Jean-Luc Therminarias couvre progressivement ses mots et je finis par décrocher et ne plus rien comprendre. La torpeur m'envahit et seules les sonneries des portables me tiennent éveillé (des SMS avec questions métaphysiques sont envoyés aux spectateurs qui répondent pendant que Dgis débite). La ficelle est un peu grosse (le SMS, obstacle à la communication) mais ça passe!  Job amplifie sa révolte jusqu'à reprocher au public de ne pas l'écouter! Fin du premier acte. Je résiste.

Le rideau transparent protège la scène où un jongleur maladroit (Jérôme Thomas) joue avec des sacs plastiques qui s'élèvent grâce à une soufflerie. DGIS continue de slamer pendant que l'autre fait joujou avec ses sacs avant de s'envoler tel un oiseau. Le contraste est saisissant entre Job et Dieu, révolte et rêverie, métaphore d'une société sûrement inconsciente sur les malheurs qu'elle génère. La scénographie n'est pas sans rappeler celle de Roméo Castellucci. Mais on est plus proche ici du sac ?Leader Price? que du cabas ?Monoprix Gourmet? si je peux filer cette métaphore entre Wild et le dramaturge italien.
Vous l'aurez compris, cette pièce est une somme de disciplines qui ne fait pas une ?uvre. La scénographie est d'une laideur déconcertante, la musique combat le texte et le choix d'une littérature biblique qu'on ?modernise? ne suffit pas à trancender notre dure réalité de Français. Seul DGIS paraît habité par son rôle et l'on regrette qu'il soit entraîné dans cette ?uvre prétentieuse et sans moyens. Son malheur est là, sur scène, métaphore d'un spectacle vivant qui perd le sens et plombe le public à force de le lui faire jouer n'importe quoi.
Par mes impôts, je veux bien subventionner un peu plus la culture pour offrir à DGIS ce qu'il mérite: un metteur en scène.

Pascal Bély
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?????? « Le malheur de Job » de Jean Lambert-Wild a été joué le 29 février 2008 au Théâtre de Cavaillon.

Prendre place dans une salle de spectacle, c'est assister à un moment de communion, où l’alchimie entre l’artiste et nous, public, se produit. “L’Homme approximatif” de Claire Le Michel fait parti de ces instants fragiles, forts, en parole, en geste, en corps.
Accueilli dans le hall du théâtre d’Arles, le public est rassuré quand on lui précise les deux temps du spectacle : le hall puis la salle.
Des chaises sont disposées en arc de cercle, tournées vers l’extérieur. Je prends place et j'attends patiemment. Des mots – les pores de la peau, bruits des chaînes – et autres chuchotements viennent à mes oreilles.Une certaine torpeur m’envahit. Le silence se fait peu à peu. La lumière baisse et c’est dans une quasi-obscurité que Claire Le Michel entre en scène. Elle tourne autour de nous, dans le sens des aiguilles d’une montre comme pour arrêter le temps, nous renvoyer au plus profond de nous, à l’état de foetus, d’embryon. Elle chuchote. Ses paroles sont douces. Je ferme les yeux afin de me laisser envahir, submerger par son langage. Puis, tout à coup, ses mots claquent, prennent par surprise, font accélérer les battements de mon coeur. Il y est question de rythme hebdomadaire, de rôles que l’on tient à chaque coin de rue, de mains sur nos têtes, sur les vides au fond de nous dans lesquels nous tombons. Elle court, Claire. Elle court pour rattraper le temps. Elle court dans le sens des aiguilles d’une montre. Elle débite son texte, nous aspire dans son tourbillon, nous dit que l’on a des couvercles sur la tête, que sous l’écorce du chêne, il y a le sang, la vie. Elle court pour nous signifier l’urgence, pour que l’on se reprenne en main. Cette urgence est palpable. Les sons saccadés d’une contrebasse et la voix de Claire plus pressante m’agitent. Et puis, tout se calme, net, pour finalement chuchoter “dimanche lourd couvercle sur le bouillonnement du sang hebdomadaire poids accroupi sur ses muscles les cloches sonnent sans raison et nous aussi“
La lumière monte progressivement et nous sommes invités à un ailleurs.
Cet ailleurs est le plateau. De part et d’autre de la scène, nous laissons place au match de boxe que se livre Claire Le Michel et Mallory Patte-Serrano (ex championne de France de Boxe Française). Cette dernière donne corps aux mots de Tzara (poète, essayiste cofondateur du Cabinet Voltaire et un des initiateurs du mouvement Dada). Le texte prend alors une tournure toute particulière. La métaphore de la vie (le combat de boxe, deux corps en lutte) frappe comme une évidence. Mais jusqu’où se battre, alors que nous portons tous “la mort si je meurs c’est la mort qui me portera” ?
La lutte physique entre les deux boxeuses et le combat que mène la contrebassiste avec son instrument, permettent la démonstration de Claire Le Michel :  mettre de la douceur dans nos faits est une nécessité et « l’homme approximatif » ne doit pas oublier que c’est “la terre qui nous sucera la chair”. Même si le combat pour la vie continue, il nous faut ouvrir les yeux, regarder ce qui nous entoure, avoir un regard neuf au quotidien. 
La lumière s’éteint, j’ai envie de serrer Claire Le Michel dans mes bras pour lui dire tout le bien qu’elle m’a fait. Je suis heureux de voir des gens généreux.

?????? “L’homme approximatif – le combat comme acte poétique” de Claire le Michel a été joué au Théâtre d’Arles les 25 et 26 février 2008.

La chorégraphe Odile Duboc n'est plus. Une de ses ?uvres, ?Rien ne laisse présager de l'état de l'eau” m’avait bouleversé en 2008. Je me souviens des lumières de Françoise Michel et de l'état « liquide » dans lequel je me trouvais alors?Inoubliable?Cette danse sensible et éclaireuse va me  manquer?

Rarement la rédaction d'un article ne m'a autant impressionné. Intimidé, j'écris à partir de ma confusion, sans trop savoir où j'évolue. ?Rien ne laisse présager de l'état de l'eau?, d'Odile Duboc, chorégraphie créée en 2005, est un spectacle pétri d'incertitudes car il interroge nos certitudes. Où va-t-on avec elle, avec eux? Ce titre est une musique qui trotte dans la tête, un air fragile et engagé qui, après une journée de travail épuisante, donne la force de dépasser sa fatigue pour se rendre au Pavillon Noir d'Aix en Provence.
J'y entre, je m'assois et je ne bouge plus. Je reste figé pendant une heure. À leur arrivée, ces dix danseurs sont loin ; je perçois à peine leur visage, mais leur corps s'impose. La scène rouge, légèrement pentue, est l'espace d'une course individuelle où les habits tombent puis changent telle une combinaison de couleurs d'un dessin animé. Ils stoppent. Le groupe, éclaté, fait fusionner les corps avec le sol comme une matière organique qui se mélange à la terre. Mon regard se fond avec eux. Je résiste pour comprendre la mécanique de ce fluide qui se répand. Je contrôle pour figer, pour découper. Il faut lâcher l'intellect sinon rien n'entrera.

C'est alors qu'ils s'avancent, deux par deux. L'un soutient l’autre qui finit par se liquéfier pour tomber à terre. Le mouvement se répète. Je glisse. Mon regard fuit, fixe, balaye, malaxe comme cette matière qu'Odile Duboc réinvente, telle une plasticienne. Une légèreté m'envahit. C'est magnifique comme un tableau de la renaissance; sublime quand ils cheminent hésitants, habités d'une force collective, échappés d'une scène de ?May B? de Maguy Marin. Progressivement, avec peu de mouvements, Odile Duboc transforme le corps en ?uvre d'art, aidée par les jeux de lumière emprunts de religiosité de Françoise Michel. Elle multiplie les petits espaces où les couples sont statues, où le groupe se sculpte pour se mettre en dynamique. L'immobilité devient alors un fluide corporel qui se propage au collectif. Magnifique. C'est ainsi que je change de territoire, où la scène est le liquide amniotique de mon imaginaire, où les hommes dansent comme des centaures, où l'animalité et l'humanité fusionnent et finissent par fluidifier mon regard alors que je voulais conceptualiser. Avec cette ?uvre, les affects sont à distance et me permet d'interroger mon rapport au corps.
Le talent d'Odile Duboc est de nous plonger dans les valeurs collectives du groupe comme espace du corps signifiant. Il n'y a rien de révolutionnaire dans le propos, mais cette interpellation est une cure de jouvence. Au cas où nous aurions oublié que le corps n'est pas une marchandise.
Même si cela coule de source.

Pascal Bély
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“Rien ne laisse présager de l’état de l’eau” d’Odile Duboc a été joué le 28 février 2008 au Pavillon Noir d’Aix en Provence.

Dans le cadre du festival des Hivernales d'Avignon, le 30e du nom, la Scène Nationale de Cavaillon accueille « Tangentes » de Mathurin Bolze pour deux soirées. Circassien reconnu, le public a pu le découvrir avec sa fabuleuse pièce « Fenêtres » présentée dans ce même lieu en 2005.
Ayant croisé le chemin de François Verret avec l'oubliable « Sans Retour », Mathurin Bolze propose avec « Tangentes » un endroit (?), juste au point de fuite entre la stabilité et ce qui file vers un infini, à la rencontre du frontal et du circulaire, à la jonction de l'acrobatie circassienne et de la théâtralité ».
Dans une cage en verre, l'un des protagonistes nous dit et redit une phrase en préambule au spectacle. Le public continue à entrer, tandis qu'il continue à parler. Le dispositif, un bidonville, sert d'espace de jeu.
Après les recommandations d'usage (portable éteint, nourriture interdite), énoncées par cet interprète, la lumière finit enfin par s'éteindre et j'oublie cette phrase de Blanchot, avec « OT ».
Dés les premières notes de musique d'Akosh S., le sérieux de « Tangentes » fait voler en éclat la poésie que je souhaitais. Je suis le spectateur d'une succession de tableaux, d'histoires de gens, qui se croisent, s'entrecroisent, s'entraident, se détestent. J'essaie de me raconter leur passé, leur envie, leur désir. L'utilisation de bribes de texte ne sert pas, mais ne dessert pas non plus ce qui se joue entre les quatre circassiens.
Mais, il y a quelque chose, un « je ne sais quoi » qui m'empêche de partir avec eux. Certes, c'est esthétiquement beau. Mais c'est tout. J'essaie de prendre du recul, histoire d'analyser ce qui se trame. Réflexion faite : il ne se passe rien.
Le discours de « Tangentes » se perd dans des effets de style acrobatique. Ce qui aurait pu être une ode à la furieuse envie de vivre se transforme en un spectacle d'acrobatie.
J'aurais dû prendre la tangente.

Laurent Bourbousson.
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?????? « Tangentes» de Mathurin Bolze a été joué les 21 et 22 février 2008 à la Scène Nationale de Cavailon dans le cadre du Festival “Les Hivernales” d’Avignon.

Pour cause de travaux, le Théâtre des Bernardines vagabonde, émigre pour finalement trouver refuge au Merlan. Il n'y a pas foule et le brassage entre les spectateurs du centre ville et ceux des quartiers nord de Marseille ne se fait pas. Et pourtant, « Exils4 » mise en scène par Eva Doubia pourrait relier les publics de ces deux institutions marseillaises. Où sont les frontières qui bloquent  ces migrations?
« Exils4 » est un beau travail, honnête, sensible, accueillant. Pour évoquer la profondeur du migrant et sa complexité sans tomber dans les clichés, Eva Doumbia a tissé sur scène une jolie toile faite d'enchevêtrements de langages artistiques. L’identité de l’émigré ne peut se réduire à une étiquette, car c’est un processus « avec une temporalité, des allers-retours, des moments où on est plus ceci, des moments où on est plus cela, tantôt plus près d'un monde, tantôt plus près de l'autre? » comme le souligne, lors d'une vidéo projetée au cours du spectacle, Marie-Rose Moro, psychiatre de l'enfant et de l'adolescent.
Elles sont donc trois sur scène pour traduire ce processus et incarner cette femme française, fille d'immigré, à la recherche de son identité. Trois comme un tryptique qui se déploie, se referme puis s'ouvre dans un mouvement qui trouve son énergie dans la danse enragée de Sabine Samba, sa profondeur dans les témoignages vidéos et sa beauté picturale dans les gestes de cette tante retrouvée, restée là-bas. « Exils4 » tangue entre poésie (magnifique texte d'Aristide Tarnagda), tendresse, rires et colères pour donner une âme à trois objets « flottants » (une chaise et ses barreaux, la valise et ses roulettes, la bassine et sa mousse débordante) qui font lien entre elles et nous. Trois objets mouvants pour bouger notre regard sur l'émigré et faire vaciller nos certitudes. Car tout est mouvement, pas de côté, décalage dans la mise en scène d'Eva Doumbia, proche d'un acte thérapeutique qui soignerait les névroses d'une France gangrénée par vingt années de propos racistes et de politiques disqualifiantes envers l'émigré. Elle nous guide avec délicatesse pour changer de regard afin de nouer avec les migrants d'autres liens pour qu'ensemble nous coconstruisions cette société métissée qui n'a plus rien à voir avec celle des années 60.
Il faut considérer ?Exils4? comme un ?théâtre documentaire? qui avec tact, réussit à métamorphoser le drapeau français en mer de ballons ?bleu-blanc-rouge?. De les voir ainsi submerger le plateau, on rêve de jouer avec, d'ouvrir les portes du théâtre pour qu'ils s'échappent.
Le Merlan et Les Bernardines n'ont plus qu'à migrer ensemble pour retrouver le public métissé de Marseille.

?????? « Exils4» d’après Aristide Tarnaga et mise en scène par Eva Doumbia a été joué le 19 février 2008 au Théâtre des Bernardines en migration au Théâtre du Merlan.

Il y a foule au Centre de développement chorégraphique de Toulouse pour le dernier spectacle du festival « C'est de la danse contemporaine », « Quatorze » de David Wampach. Son curciulum vitae est impressionnant et il bénéficie d'une excellente réputation s'il l'on en croit ses financeurs et son public composé de professionnels de la profession.
Curieux, nourri du quatuor de Sylvain Prunenec vu la veille, je me sens prêt pour entrer, divaguer et me laisser porter. Ils sont quatre, parés d'une seconde peau si transparente et opaque qu'ils paraissent tout à la fois statufiés et altérables. Deux garçons, deux filles se métamorphosent dans une partie de cache- cache où la scène est à la fois coulisse, terrain de jeu, abri maternel et cachette pour des ébats amoureux. Les rires, les pleurs et les cris envahissent l'espace sonore: on ne voit plus qu'eux, mais je n'entends rien, pas la moindre musique du sens. J'observe de dehors ce manège puéril, ce jeu subtil de lumières, ces émotions brutes et je finis par m'interroger. Ce chorégraphe ne devrait-il pas travailler autrement ses peurs et ses fantasmes d'adolescent pour que « Quatorze » m'intéresse ?
Qu'aurais-je dû lâcher pour ressentir ce quatuor ? Après dix années de travail d'analyse, je ne vois toujours pas. C'est inquiétant mais je ne compte pas aller jusqu'à quatorze ans.

Pascal Bély
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?????? “Quatorze” de David Wampach” a été joué le 16 février 2008 dans le cadre du festival “C’est de la danse contemporaine”.