Catégorie : LES EXPOSITIONS

Le ?Sculpture Projects de Münster?, manifestation décennale d'art contemporain, née en 1977, sème dans toute la ville des amateurs qui, plan en poche, cherchent l'Oeuvre comme si c'était celle de toute leur vie. Plus de soixante-dix artistes (dont trente pour cette année), reliés par l'histoire de ce territoire, nous offrent un périple qui vaut, à bien des égards, les voyages à l'autre bout de la planète. Cette ville, quasiment détruite au cours de la dernière guerre, retrouve une histoire par l'art contemporain: cette belle dialogique place le visiteur au coeur d'un processus d'introspection, où l'on pense le futur par le passé (et inversement), où l'on fait ressurgir, à l'image de Münster, des (nos) vestiges que les bâtiments modernes ou les quartiers reconstitués à l'identique ont enfouis.
C'est ainsi que l'art rapproche les hommes sur ce territoire à l'image du fil de Mark Wallinger (cherchez bien sur la photo!) qui relie les édifices pour former un rond, une frontière quasi invisible entre réel et virtuel: elle délimite ce nouvel espace, prêt à contenir ce processus émergant. Où que vous soyez, vous êtes au centre du monde, comme la gare de Perpignan de Salvador Dali! Et quand au hasard d'une virée en bicyclette, j'aperçois le fil tendu entre deux arbres par un étrange jeu de lumière avec le soleil, je m'étonne d'être heureux, d'avoir repéré la frontière entre un processus et un autre!

Pascal Bély
www.festivalier.net

??????  ?Sculpture Projects de Muenster? a lieu jusqu’au 30 septembre 2007.

Un lecteur fidèle (Octave) nous fait parvenir son regard sur une exposition d’Art Contemporain.

Il est toujours difficile de situer l’intérêt d’expositions accumulatives comme celle-ci avec plus de trente artistes dans l’espace réservé la plupart du temps à des propositions monographiques. Un peu comme aux puces, il faut piocher. Je n’ai ressenti aucune unité, aucune direction, juste la vision d’un éclatement dans tous les sens, de recherches tous azimuts.

J’y suis allé le dimanche 15 juillet: trois pièces video ne fonctionnaient pas! Cinq artistes m’ont particulièrement touché.
De Lara Favaretto.
Dans un espace plein, que l’on regarde sans y pénétrer, de nombreuses bouteilles d’air comprimé se déclenchent de temps à autre avec un bruit très spécifique… dans le but de faire se déplier une langue de belle-mère, sauf que certaines, sans doute usées et percées ne se déplient plus. Toute cette installation pour presque rien, ou même pour rien, c’est assez fascinant. Plein d’humour mais en même temps pas rassurant, vu la puissance mise en place.

De Paola Pivi (la photo de l’affiche)
A l’heure du faux avec le numérique, elle décide de faire du vrai invraissemblable en transportant deux zèbres dans un décor de montagne enneigé. Le résultat, trois photos dont on reste distant, il en faudrait bien plus pour qu’une image nous interpelle. C’est en lisant la phrase dans le dépliant habituel du Carré (une feuille de 60cm sur 40cm, que j’ai pour une fois gardé sous les yeux pendant toute l’expo, plutôt encombrant) que l’action m’a parue extraordinaire et insignifiante. Amener deux zèbres à la montagne, se coltiner deux gros réels alors que photoshop aurait permis le même résultat sans aucun réel. Intéressant sauf pour les photos au mur, mais y a-t-il un autre moyen de rendre compte de cela ?

Giuseppe Gabellone.
Il réalise à partir d’une estampe japonaise (on se demande pourquoi) un bas-relief magnifique… en mousse de polyuréthane.
Une autre pièce de Gabellone, sous forme de photo-témoin montre un meuble-décor (?!) construit-imbriqué avec les objets présents (voiture, bidon) sur le bord d’un trottoir. Objet non-identifié… sculpture, photo, in situ, faux décor, matière envahissante ?

Joâo Onofre.
Une video projetée sur un mur dans un espace semi fermé dont on entend le son alentour. Un choeur classique interprète une partition, arrangement du groupe allemand Kraftwerk.
Ce qui donne une polyphonie mécanique, une interprétation minutieuse avec un rythme enlevé d’un bruit de machine, répétitif. Quand la machine devient humaine, l’effet est magique. J’ai adoré !

Eric Boudet chorégraphie la photo de danse. Au fil de ses prises de vues, cette affirmation ne se dément pas : l'exposition « Danseurs noirs contemporains » impulse un regard circulaire entre le sens et nos sens. Loin de se centrer sur une partie, il nous aide à percevoir le tout au gré de nos résonances, de notre mémoire de spectateur, de notre sentiment d'appartenance à « la terre patrie ». Plutôt que de cliver les couleurs, Éric Boudet les différencie pour mieux les relier. C'est un photographe de l'alliage. Avec lui, le blanc et le noir n'ont plus la même fonction : l'un recentre dans le cadre tel un aimant tandis que l'autre donne la force de l'envol.
Cette proposition audacieuse autorise les alchimies entre modernité et tradition, individuel et collectif, liberté et oppression, verticalité et horizontalité, corps noir et regard blanc. Éric Boudet capte tout autant le propos du chorégraphe, que le regard du spectateur : il nous les restitue comme un patrimoine de l'humanité.

A voir à Caen, du 6 au 9 décembre 2006 au Centre national chorégraphique dans le cadre du festival “Danse d’ailleurs” dédié cette année à la danse contemporaine africaine.
A voir à Paris, dans le cadre du Festival « Faits d'Hiver » au Théâtre Artistic Athévains du 10 janvier au 8 février.

Le site d’Eric Boudet, à voir absolument!
L’article du Tadorne en mars 2006.

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Dernière partie de mon immersion dans les Rencontres Photographiques d'Arles. Pour être exact, c'est une plongée dans des univers où la photo transcende, ouvre la voie vers une autre réalité.
Allessandra Sanguinetti avec « Les aventures de Guille et Belinda et l'énigmatique sens de leurs rêves » m'a littéralement happé. Submergé par l'émotion, j'ai retrouvé le milieu ouvrier dans lequel j'ai grandi et les mondes imaginaires que je me construisais. Mais aucun photographe n'était là pour immortaliser mes rêves ! Guille et Belinda sont deux cousines de dix et neuf ans, dont les parents possèdent des terres agricoles près de Buenos Aires. En pénétrant leurs espaces fantasmagoriques, Allessandra Sanguinetti nous offre des photographies de toute beauté : entre la fin de l'enfance et le début de l'adolescence, elle arrive à capter l'insondable (cette part de rêve si secrète). Les corps de transforment et flottent pour se mouvoir dans un environnement solidaire. Elles nous proposent une vision métaphorique de notre monde avec humour et gravité, loin des clichés habituels (« la vérité sort de la bouche des enfants » !). Allessandra Sanguinetti a obtenue le « Prix Découverte » des Rencontres. Largement mérité.

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Les Rencontres Photographiques d'Arles sont une excellente occasion pour recréer le lien avec les amis alors que la longue période des festivals vous a éloignée. J'aime flâner avec eux dans cette ville et entrer dans les lieux d'exposition pour ressentir cette relation intime avec les photographes. Le commissaire invité cette année est Raymond Depardon et cela se voit : jamais peut-être ces Rencontres n'auront affiché un tel éclectisme, une réelle volonté de montrer l'art photographique sous tous les angles?
J'ai passé deux journées en Arles. La première est chaotique. En effet, voir l'exposition « la photographie américaine à travers les collections françaises » avec deux enfants en bas âge relève de l'exploit?Partagé entre les photos et le film d'animation joué en direct par Jeanne et Anatole, j'en perds mon sens critique?. Et pourtant, je ressens ce New York des années quarante photographié par Helen Levitt, l'errance américaine de Robert Franck, la pureté des images d'Edward Weston. Les enfants n'ont pas leur place dans ce lieu. Ils sont les victimes de la toute-puissance des parents. Ils le font savoir et l'art ne médiatise rien.
La deuxième journée est beaucoup plus studieuse. Je suis accompagné d'une collègue de travail. Nous entretenons une relation professionnelle intense et nous apprenons à nous connaître petit à petit à partir de nos histoires personnelles?chaotiques. Je n'ai jamais vécu un moment culturel avec elle. Cette journée est l'occasion de faire connaissance plus profondément: l'art est toujours une médiation?
Nous commençons par l'exposition « La photographie publicitaire en France » présentée au Musée de l'Art Antique. C'est une excellente entrée en matière, comme un échauffement avant d'autres propositions plus conceptuelles. Ici, la forme prime souvent sur le fond et nous prenons plaisir à nous remémorer les images publicitaires de notre jeunesse. Le passé nous relie, mais risque de nous enfermer (« c'était mieux avant ! »). Il est tant de quitter ce lieu d'antiquités pour passer à un autre niveau, faire évoluer le regard et?notre relation !

Le premier étage de La Chapelle Saint-Martin du Méjan accueille la photographe Sarah Moon pour « Le fil rouge » d'après trois contes d'Andersen et un de Charles Perrault. « Elle a mis au point une technique particulière qui mixte des photographies qu'elle a faites au hasard des séries qu'elle a réalisées pour la presse ou des séquences spécialement faites pour l'occasion ». Un fil rouge (message à la chanteuse Camille?) relie les photos commentées chacune par un texte. Nous prenons plaisir à voyager dans l'univers du conte dans ce lieu magnifique. Une petite salle de cinéma est installée au fond de la pièce. Sarah Moon, passée derrière la caméra, nous propose le film de ce fil rouge. Le support change, mais n'apporte rien. Nous perdons le charme du conte sans qu'autre chose nous soit proposé. Sarah Moon semble se concentrer sur un procédé esthétique sans qu'il y ait une réflexion sur le sens du support (pour quoi un film ?).
Au rez-de-chaussée, Béatrice Helg avec « À la lumière de l'ombre» provoque un choc. Chacun de notre côté, nous parcourons cette exposition avec bonheur. Est-ce de la photo ? De la peinture sur du cuivre ? De l'art abstrait ? Elle fait sauter les cloisons et les barrières entre les arts. Je me sens en apesanteur, la rouille est peinture, le tissu est métaphore de mes rêves. L'aménagement du lieu est exceptionnel, comme s'il était conçu pour elle : la photo est elle-même encadrée par l'architecture de la salle. Jouissif.

En poursuivant, Paolo Ventura nous propose « Scènes de guerre ». Âgé de 38 ans, il a grandi avec les souvenirs de la guerre 39-45 en Italie. Avec du carton-pâte, il a reconstitué des scènes de guerre. Avec un tel dispositif, Paolo Ventura semble photographier ses représentations de la vie et de mort en temps de conflit. Cette mise à distance nous oblige à voir autrement la guerre : les photos ne sont plus seulement des clichés historiques, mais une vision médiatisée de la guerre entre son inconscient et ma conscience. C'est émouvant et beau.
La dernière exposition (de couloir en couloir, nous quittons la chapelle pour nous trouver dans les pièces d'une maison !), « Paradiso » de Lorenzo Castore, est un voyage à Cuba loin des stéréotypes véhiculés par les médias et les dépliants touristiques. Nous faisons des va-et-vient dans la salle : par un effet technique troublant, le changement de positionnement modifie notre perception des photos. Cuba devient si proche, si loin, que l'on aimerait en savoir davantage. Nous sommes alors guidés vers la terrasse ombragée d'un restaurant face aux Éditions Actes Sud.

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Comme beaucoup d’Aixois, j’attendais depuis longtemps cet événement : « Cézanne en Provence » au Musée Granet. Pour éviter une foule prévisible, j’avais réservé en nocturne à partir de 21h. Le contexte autour de cet exposition est loin d’être léger. Le concert de musique classique prévu au pied de la Sainte Victoire le 5 juillet en hommage à Cézanne affiche complet alors que les places pour les Aixois sont réduites à la portion congrue. La colère dans la population est perceptible, reprise par l’opposition municipale qui n’en attendait pas tant pour décrier la gestion pour le moins hasardeuse de cette manifestation. Les premiers jours de l’exposition furent chaotiques (absence de signalisation dans les salles, visiteurs perdus, manque de matériel audio, …). Pour ma part, j’ai eu quelques difficultés avec le site internet de « Cézanne 2006 » (allez-y faire un tour, c’est un labyrinthe sans nom et sans visibilité). Un mail envoyé à la responsable de la communication n’a pas suffi pour y voir plus clair. Sa réponse m’a néanmoins interpellé sur son niveau de compétences (« je ne suis pas là pour faire plaisir à tout le monde » m’écrit-elle alors que je m’étonne de la difficulté à naviguer sur le site. Il me semble pourtant que son métier, est justement de faire plaisir !).
J’arrive donc au musée Granet où pléthore de personnel nous attend. La culture créée donc des emplois dans le Pays d’Aix. Je m’étonne toutefois de la tenue vestimentaire des salariés vacataires. Elle  tranche avec la portée internationale de l’évènement. Si la tenancière de la ville est loin d’être un modèle d’élégance, je suis surpris de retrouver dans un musée des habits d’un si mauvais goût (jupe courte, ceinture dorée sur les fesses, tongues, tee-shirt moulant,…). Je n’ose évoquer le comportement pour le moins troublant de certains gardiens dans les salles à l’égard des femmes et d’un groupe d’Américaines en particulier. Bref, sans vouloir passer pour un ringard, je pense que Cézanne et le Musée Granet méritent des professionnels de l’accueil. Cela dit, les Aixois n’ont jamais reconnu ce peintre de génie. Un siècle plus tard, rien n’a vraiment changé tant les conditions de visite de l’exposition sont exécrables ! Les groupes se succèdent à un rythme qui faiblit seulement vers 22h. Il fait chaud, le parquet sous les pas des visiteurs fait un bruit insupportable. Ces derniers n’hésitent d’ailleurs pas à téléphoner avec leur portable.
Que dire du choix de réduire Cézanne à la Provence ? Il est sûrement justifié par le désir de faire un joli coup marketing ; l’affluence des visiteurs le confirme. Au sein même du thème, les commissaires de l’exposition ont encore réduit en créant une salle dédiée à La Sainte Victoire ! Toutes ces cases provoquent une lourdeur que seule la salle dédiée aux aquarelles sauve.

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Yang Fudong, c’est comme Camille : c’est doux, on s’y installe.
Débuter le KunstenFestivalDesArts à Bruxelles avec cette installation vidéo est une étrange entrée en matière. Le sac gonflé de tickets pour les trois semaines de représentations à venir, on pénètre seul au Markten. Loin de la foule « Platelienne », on cherche entre deux étages l’une des installations vidéo de Yang Fudong, puis on s’y allonge. Je vous le dis, Fudong, c’est comme Camille, c’est doux et on s’y installe.
Le Tadorne s’endort au milieu d’une dizaine d’écrans qui projettent « The revival of the snake ». Les couleurs sont ternes, les sonorités lointaines. Un jeune chinois passe et repasse dans le rêve du Tadorne…sur un cheval blanc, les yeux bandés, les lèvres desséchées par la faim et la soif. Sa fuite se transforme en quête, une quête pour la survie, la quête d’un au-delà au paysage anonyme que Yang Fudong lui fait traverser. L’artiste chinois nous plonge dans un rêve et fait de «the Revival of the snake » une métaphore de l’espoir. Le malaise qui se dégage des premiers écrans cède la place à d’autres séquences, projetées quelques mètres plus loin, dans lesquelles le protagoniste commence à apprivoiser son environnement. Il creuse la glace, on le voit en gros plan près d’un feu de camp, jusqu’à ce soleil tamisé qui s’insinue dans le paysage froid de Yang Fudong. Plus loin encore, celui que l’on découvrait captif quelques instants plus tôt se dresse sur un arbre pour y scruter l’horizon, prémisse du monde libre.
Pour Yang Fudong, « quand tu mets ton cœur dans ton film, tu trouves des éléments qui provoquent l’esprit et le cœur, appelés flashs ou inspirations. Si tu essayes de les faire sortir consciemment, ils trouvent leur propre chemin dans ton film ». Pris dans ce rêve de liberté au goût doux-amer, on serait tenté de dire que « The revival of the snake », c’est un peu notre « ça qui nous chatouille ». Notre ça ou celui de Yang Fudong ?

P.C

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Il m'arrive d'observer les photographes de danse au cours des spectacles. Je suis parfois près d'eux, quelques sièges nous séparent. Le bruit de leur appareil rythme le spectacle et m'intrigue.
Depuis l'ouverture de mon blog, publier une photo est un exercice délicat. Issues pour la plupart des sites des festivals ou des compagnies, elles sont choisies à partir de critères techniques (capacité à s’intégrer dans le format d’un blog!).
Et puis, au hasard d'un voyage sur le site « Belles images de danse », je découvre les oeuvres d'Eric Boudet. Photographe entre autre sur le feu « Danse à Aix », je reconnais certains spectacles et les sensations de l'été dernier refont surface, à l'image d'un album de photos de vacances que l'on aurait oublié au fond d'un tiroir. Les photos d'Eric Boudet sont à elles seules un ?uvre chorégraphique : les contrastes provoquent le mouvement, les danseurs s'envolent comme suspendus dans le temps et l'espace, conférant aux images une fragilité troublante.
Eric Boudet joue sur les asymétries pour mieux capter le lien entre les danseurs. Les éléments du décor ne sont jamais en arrière plan mais intégrés dans le propos du chorégraphe. Ainsi, les grilles du Parc Jourdan d'Aix en Provence se transforment en barreaux de prison où le beau danseur Bienvenue Bazié tente d'échapper. Il se dégage des photos d'Eric Boudet une émotion, un lien, comme s'il photographiait simultanément le chorégraphe et le danseur.
Cet artiste met en mouvement nos images de spectateur. Eric Boudet est un chorégraphe de notre mémoire. Inoubliable.

A voir:
– Le beau site d’Eric Boudet.
– Un article sur l’exposition “Danseurs noirs contemporains”.

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